Bajo la atenta mirada de olivos centenarios, mi alma se agita con pasos tranquilos e intencionados. La isla, antaño resguardada únicamente por sus acantilados escarpados y paisajes salvajes, ahora se abre a quienes desean comprenderla. Aquí, en esta Reserva de la Biosfera, debe mantenerse un equilibrio delicado —un equilibrio entre la preservación y la experiencia, entre lo ancestral y lo presente.

Todo parece invitarme a ralentizar el paso y redescubrir el ritmo de la naturaleza. Aprendiendo de los artesanos locales, me sumerjo en el legado de la isla. Escucho el sonido de una vida en armonía con un lugar que es, a la vez, eterno y cambiante. Esta belleza sencilla me serena, me conduce a la introspección.

Caminar por el Camí de Cavalls, un antiguo sendero que rodea la isla, me lleva a la contemplación. Los acantilados, besados por el sol y cubiertos por las sombras de las nubes, se convierten en un lienzo para la mente. Las aguas, eternas y siempre en movimiento, son como tinta en la mano del poeta. Aquí, la creatividad no es una elección —es el latido de la isla, tan constante como las olas que rompen en sus orillas. Siento el despertar de la tierra. Oxigenado.

Es entonces cuando decido convertirme en artesano, aprendiendo de los hombres y mujeres que han moldeado esta tierra con sus manos y corazones. Cada pieza de cerámica, cada cesta tejida o creación tallada a mano, cada bocado, deja de ser un simple recuerdo para convertirse en el pulso de algo más profundo —una conexión con un lugar y un tiempo que los trascienden. No es una coincidencia; la poesía eterna de la cultura talayótica de Menorca resuena una y otra vez en mí, respirando ciclos de vida, muerte y pertenencia.

Observo el cielo. Declarado Reserva y Destino Starlight por su baja contaminación lumínica, este lugar invita a reflexionar sobre el lugar de uno en el universo. La sensación de eternidad se percibe en cómo todos estamos conectados a través de una dimensión cósmica.

El aislamiento y la soledad, temas a menudo explorados por el dramaturgo y poeta menorquín del siglo XVIII Joan Ramis i Ramis, emergen desde lo más profundo de mi alma, despojándome de todas mis defensas.

No quiero marcharme. El misterio y la belleza siguen susurrando —no se trata solo de no dejar huella; se trata de dejar la tierra mejor de como la encontré.

En SAL DE MENORCA, la sal susurra paz, haciendo eco del alma de Menorca —el sonido de hacer las cosas bien, con cuidado. Aquí, en medio del frágil equilibrio de la naturaleza, las aves encuentran refugio y la flora se aferra a un suelo rico en sal, prosperando en un mundo olvidado por la prisa. Sal de Menorca revive el antiguo oficio del salinero, restaurando no solo una profesión, sino un patrimonio. Sal de Menorca no es simplemente un mineral; es una historia de paciencia, resiliencia y el poder silencioso que nutre la vida… A poc a poc.

En un camino silencioso y escondido se encuentra SANT IGNASI, un refugio de lujo donde el tiempo se deshace como la niebla sobre los campos. Entre robles centenarios y salones de piedra, el tiempo fluye lentamente y la tierra respira con suavidad. Fue en su día la casa de verano de una antigua familia aristocrática de Menorca. El lujo no se pronuncia, se siente —en la caricia del lino natural, el sabor de la cocina local y el pulso sereno del paisaje. Un retiro para quienes no buscan el esplendor, sino la paz, donde cada momento se crea con mimo y cada detalle nos recuerda el abrazo de la tierra.

En KAILASH ARQUITECTURA, la arquitecta Mercedes Carretero y su hermana, la interiorista Carmen Carretero, tejen el alma de Menorca en cada espacio que diseñan. Utilizando madera de acebuche, piedra caliza y cerámica cocida a mano, su trabajo resuena con la armonía atemporal de la isla y su conexión con la naturaleza. Cada material cuenta una historia —desde antiguas vigas que un día escucharon música en el viejo teatro hasta el agua de lluvia recogida en serenos aljibes. Sus espacios son santuarios donde la belleza de la imperfección y el ritmo natural inspiran paz y contemplación.

LET’S PAUSE encarna el lujo salvaje, creado por artesanos sabios. Tejido con manos ancestrales y la esencia indómita de la naturaleza, Let’s Pause rinde homenaje a los materiales que la tierra ya no necesita. Esparto, agave, raíces de olivo —no son solo fibras; son la voz de la tierra, moldeada con cuidado por quienes saben escucharla. Las manos del artesano cuentan sus historias, sin intermediarios. Cada pieza es un testimonio de la resiliencia de la naturaleza y de nuestra necesidad de preservarla.

Donde la primera luz del día acaricia las costas de Menorca, SA PUNTA revive el alma de la isla en cada plato. Pescados capturados al amanecer llegan a tu mesa junto con ingredientes frescos y de temporada provenientes de la isla. La visión de Matthew Meacham es la de la preservación, donde oficios ancestrales como la panadería o los licores de hierbas encuentran nueva vida. Cada comida no es solo un sabor de Menorca, sino un tributo a su historia, su cultura y a los artesanos que mantienen vivas sus tradiciones.

Cada bocado en AMAPOLA encierra la generosidad de la tierra, donde el profundo sabor a fruto seco de los cereales locales es acariciado por el sol y el mar de la isla. En cada tostada, hay una sinfonía de calidez y sencillez rústica —un sabor que perdura como un recuerdo olvidado. Este pan, que una vez estuvo en peligro de desaparecer, vive hoy como testimonio de la tradición y el buen gusto, gracias a Josefina y su masa madre de fermentación lenta.

En cada copa de Gin iNNat, despiertan las hierbas milenarias de la isla —una fusión de enebro, pino, romero y limón, cuya esencia se captura en cada gota. Los licores de hierbas de BINIARBOLLA también son imprescindibles. Con cada sorbo, las notas herbales bailan en el paladar —intensas y audaces, pero suavizadas por el calor de la isla. Todos los licores aquí alcanzan su sabor mediante maceración, no destilación. El proceso de elaboración es más largo, pero también más suave y respetuoso con las hierbas botánicas de Menorca.

ENSō ART GALLERY late con la profunda pasión de Lidia Piqué, donde el arte no es simplemente una creación, sino un equilibrio entre cuerpo, mente y espíritu. Dentro de sus muros se despliega Mosaico de Luz Mediterránea y Sombra Oriental. Las pinturas de la artista Almudena Angoso Álvarez conviven con otras obras profundamente arraigadas en la cultura oriental. Juntas, transforman la galería en un espacio donde la creatividad trasciende lo material, conectando el mundo interior del artista con las emociones del espectador, y reflejando el poder silencioso del equilibrio y la belleza.

Con más de 20 años de experiencia, ISABEL MARTIN SINTES es una apasionada defensora del turismo regenerativo y creativo en Menorca. Sus rutas están diseñadas no solo para mostrar la belleza de la isla, sino para inspirar una conexión más profunda con los valores de la Reserva de la Biosfera. A través de su trabajo, promueve un enfoque sostenible que anima a los visitantes a involucrarse con la cultura local, la biodiversidad y los esfuerzos de conservación.

AGLAYA es un testimonio viviente de joyas que cuentan historias de Menorca. Cada pieza está cuidadosamente elaborada, no solo como un adorno, sino como un relato tejido en metal, madera y los materiales más nobles de la naturaleza. En este espacio, los límites entre el arte y la joyería se desdibujan, y cada creación, moldeada a mano, se convierte en un reflejo del espíritu indómito de la isla. No es solo una tienda: también organizan talleres donde puedes descubrir cómo la artesanía se encuentra con el pulso atemporal de la tierra.

KINIRIA da nueva vida al cuero olvidado, transformando excedentes de marcas de lujo en bolsos atemporales y hechos a mano. Cada pieza cuenta una historia de sencillez, sostenibilidad y de la belleza que surge al dar un nuevo propósito a lo antiguo —creando no solo moda, sino una conexión duradera entre el pasado y el presente.

Con tres generaciones de experiencia en la carpintería, MUEBLES BOSCO BARBER ofrece más que muebles: da vida a las historias. Elaboradas con madera maciza 100% reciclada, principalmente teca, cada pieza fusiona influencias nórdicas con un toque mediterráneo. La artesanía atemporal encarna la esencia de la calidad de vida en Menorca.

En las colinas bañadas por el sol de Menorca, un viñedo abandonado vuelve a respirar. En ALBA MENORCA WINES, la tierra fue cuidadosamente oxigenada y trabajada a mano durante tres años en un acto de amor y dedicación. La agricultura regenerativa nutre el suelo, con ovejas que pastan y abejas que polinizan. Hoy, este paisaje vitivinícola se alza como el único viñedo sostenible que ha obtenido dos medallas de oro a nivel mundial —un triunfo del renacer de la naturaleza y de la maestría artesanal. Alba Menorca Wines son viento, sol, luz y piedra. Calma, silencio, equilibrio, pasión. Fluyen como el mar que nos rodea.

En el silencioso corazón del puerto de Ciutadella, SON FINESTRA da vida a la belleza de la naturaleza a través de la moda. Confeccionadas a mano a partir del lino más puro, cada prenda está tejida con esmero, tocada por manos expertas y enraizada en la rica tradición de la isla. El tejido, ligero pero resistente, captura la esencia de la simplicidad y la elegancia.

En manos de maestros artesanos nacen los zapatos de PEP MONJO —elaborados con piel auténtica de la más alta calidad, cada par es un testimonio de tradición atemporal y saber hacer. Cada puntada, cada curva, habla de dedicación, donde el tacto humano transforma el cuero en un paso hacia el futuro.

Inspirada por la tranquilidad de Menorca, la artista CRISTINA VILA-HOMS crea cerámicas como una práctica meditativa, moldeando cada pieza a mano. Su trabajo en CVH Ceràmica refleja una profunda conexión con los materiales naturales —como el gres—, permitiendo que la energía de la arcilla guíe su proceso. Cada pieza encarna la simplicidad y la durabilidad.

ARTEMISA invita con susurros de oficios olvidados y ritmos pausados. Un lugar donde la belleza salvaje de la isla se encuentra con las manos de los artesanos, donde cada sabor cuenta una historia de la tierra. En este refugio, los visitantes se deslizan hacia un mundo sin tiempo, donde la conexión con la naturaleza, el arte y la cultura fluye como el viento —libre y sin ataduras.

Coldplay. Una palabra que lleva consigo un significado profundo. No es solo el nombre de una banda, sino el de cuatro personas extraordinarias que han tocado los corazones del mundo desde 1996. Una banda formada por los talentosos Chris Martin, Jonny Buckland, Guy Berryman y Will Champion.

Tienen canciones que transmiten sentido, y una bondad que deja huella. Y una de las mejores cosas de ellos es el esfuerzo constante que hacen por la sostenibilidad del planeta.

En su actual gira mundial, Music of the Spheres, que comenzó en 2022 y culminará este septiembre de 2025, han logrado hitos en sostenibilidad. Desde la reducción de emisiones de CO₂ hasta la generación de energía para el escenario de forma ecológica y creativa, esta gira merece atención y admiración, porque demuestra que se puede hacer arte y, al mismo tiempo, cuidar del mundo.

Aquí te mostramos algunas de las increíbles formas en que Coldplay está liderando una gira sostenible y respetuosa con el medio ambiente:

Reducción de emisiones de CO₂

Cuando Coldplay anunció la gira mundial Music of the Spheres en 2021, “se comprometieron a reducir sus emisiones directas de carbono (derivadas de la producción de los conciertos, transporte de carga, viajes de la banda y del equipo) en al menos un 50 %”.

Además de colaborar con socios y proveedores para disminuir el impacto de las emisiones de CO₂, Coldplay se asoció con DHL, el socio logístico oficial de la gira, para reducir el impacto de las emisiones derivadas del transporte y la carga.

¿Y sabes qué es lo más impresionante? En los dos primeros años de la gira, la banda informó con entusiasmo que sus emisiones directas de CO₂e se redujeron significativamente en un 59 %, lo que representa un 59 % menos que su anterior gira en estadios durante 2016–17, “comparando espectáculo por espectáculo”.

#Energía cinética

Además de reducir las emisiones directas de CO₂e, la gira de Coldplay alimenta el escenario de maneras ecológicas.

Una de las formas más sorprendentes es a través de la energía cinética. ¿No es genial?

Están utilizando pistas de baile cinéticas ubicadas en zonas específicas del estadio. Cuando los fans saltan y bailan, esa acción física se convierte en energía que ayuda a alimentar el espectáculo.

Y eso no es todo: otra fuente de energía cinética proviene de bicicletas generadoras de electricidad “para que los fans puedan cargar activamente las baterías del show”.

Pulseras LED

Las pulseras LED que los fans llevan durante los conciertos son reutilizables y están hechas con materiales vegetales 100 % compostables. Su producción se ha reducido aproximadamente en un 80 % gracias a su recogida, esterilización y recarga tras cada concierto. Además, han alcanzado una tasa media de devolución y reutilización del 86 %.

Apoyo a causas extraordinarias

Durante esta gira, Coldplay ha apoyado económicamente a diversas organizaciones medioambientales como ClientEarth, The Ocean Cleanup, One Tree Planted, Climeworks, Project Seagrass y otras más.

Reforestación

Para reducir aún más su huella de carbono, Coldplay ha apoyado diversos proyectos medioambientales en todo el mundo, con especial atención a la reforestación, la restauración de ecosistemas, la conservación y la regeneración del suelo.

En colaboración con One Tree Planted, la banda ha estado plantando un árbol por cada entrada vendida, así como con los ingresos de todas sus camisetas individuales, según indica la página oficial de One Tree Planted.

Además, gracias a su colaboración con One Tree Planted, Coldplay ha contribuido a 21 proyectos de reforestación en 17 países.

Reducir las emisiones de CO₂, alimentar el escenario con energía cinética, reutilizar pulseras LED, plantar árboles y apoyar proyectos de reforestación son solo algunas de las muchas iniciativas sostenibles que Coldplay ha implementado en su gira mundial Music of the Spheres.

No solo son una banda increíble con un talento musical extraordinario, también tienen un corazón generoso que se preocupa por el mundo — y nos inspira a hacer lo mismo.

Para saber más sobre la gira ecológica de Coldplay, visita su informe de emisiones de la gira 2024 y su página de sostenibilidad.

Con más de 250 marcas nacionales e internacionales confirmadas, MOMAD consolida su papel como el principal evento profesional de moda en el sur de Europa, destacando la moda consciente, la producción responsable y la artesanía. Ahora celebrada en el Pabellón 10, la feria se alinea con otros eventos clave del estilo de vida —Bisutex, Madridjoya e Intergift— creando un potente ecosistema de exposiciones de moda, joyería y artículos de regalo. Esta sinergia estratégica potencia el networking, amplía las oportunidades entre sectores y apoya una cadena de valor más integrada y sostenible.

Una muestra de marcas eco-conscientes y éticas

MOMAD presentará colecciones para las temporadas Primavera/Verano y Otoño/Invierno, ofreciendo una visión integral de las tendencias con un fuerte énfasis en la moda sostenible, el calzado ecológico y los accesorios de bajo impacto ambiental.

Marcas líderes como Vilagallo, Surkana, Nuñez de Arenas, Matilde Cano y Carla Ruiz mostrarán su compromiso con la calidad, la transparencia y el cuidado del medio ambiente — respondiendo a una nueva generación de consumidores que valoran el origen, la durabilidad y el impacto social.

El sector del calzado y los accesorios cobrará mayor protagonismo este año, con la participación de innovadores eco-conscientes como Gioseppo, Calzados Victoria, Star Love, Juncal Aguirre, Corina, Igor, Exe Shoes y MLV Shoes, junto a marcas de tendencia como Moo Chuu, Top 3 y Basq Sneakers.

Impulsando el comercio sostenible a nivel mundial

A través de su Programa Internacional de Compradores, MOMAD busca fortalecer las relaciones comerciales a nivel global, especialmente con regiones estratégicas como América Latina.

En esta edición, se destaca una colaboración con Bogotá Fashion Week, que presentará una cuidada selección de marcas colombianas de moda sostenible al mercado europeo, consolidando así a MOMAD como un referente mundial del negocio de la moda ética.

Del 11 al 13 de septiembre, MOMAD transformará IFEMA MADRID en un vibrante punto de encuentro para la moda sostenible, donde los profesionales podrán descubrir colecciones visionarias, forjar nuevas alianzas comerciales y dialogar con líderes que impulsan la transición hacia una industria más responsable e inclusiva. No pierdas la oportunidad de ser parte del cambio.

En mi mente, viajo por lo que alguna vez fue una de las rutas comerciales más largas del mundo antiguo, con más de 3.000 kilómetros de extensión, desde el profundo sur de Yunnan hasta el Tíbet. Sigo antiguos caminos que hoy cobran nueva vida gracias al desarrollo de lujosos hoteles boutique a lo largo de la Lux Tea Horse Road*, escribiendo historias nuevas. Cada piedra parece banal, y sin embargo, es testigo del tiempo y una pequeña parte de lo que reaviva el mosaico de esta ruta única —ayer y hoy—: el intercambio entre minorías, culturas locales y naturaleza.

I LIJIANG (丽江市)

Huelo, saboreo

El coche se detiene. Mi pulso se acelera, porque a lo lejos, como un dragón dormido, el Yulong (Dragón de Jade) custodia la ciudad y la historia ya lejana de los comerciantes que viajaban más de 500 kilómetros desde las montañas del té hacia el sur, para llevarlo hasta Lhasa, mientras que la medicina tibetana, las hierbas y las pieles llegaban aquí desde el norte.

Al llegar a Lijiang, se percibe el espíritu vibrante de una ciudad bulliciosa. Un lugar que fue encrucijada tanto de la Ruta de la Seda del suroeste como del Tea Horse Road, y que aún hoy simboliza un crisol de influencias culturales. Los Naxi, una minoría étnica de China, están presentes por todas partes. Puedo sentir esa presencia cultural mientras camino por las calles del casco antiguo de Dayan, dejándome llevar con devoción por un laberinto lleno de nuevas experiencias. Las tallas ornamentadas en madera, cuya majestuosidad adorna los patios —conocidos como zhi—, captan mi mirada una y otra vez. También lo hacen los colores vivos y audaces que encuentro en la calle, con complejos patrones Naxi que representan flores, animales o formas abstractas, muchas veces situados en mangas, dobladillos o a lo largo del cuello. A menudo, el aparentemente accesible código visual de la escritura Dongba —una de las pocas escrituras jeroglíficas que siguen vivas en el mundo— me despierta, como si intentara sacarme de un sueño. Porque aunque me rinda por completo a la riqueza de la cultura Naxi, dentro de mí persiste una tensión: aún no he llegado a mi destino.

Falta algo.

Finalmente, mi camino me lleva a la fuente de un oro antiguo: el té. Aquí, en una calle lateral en pleno corazón del casco antiguo, el tiempo se detiene, como si las dinastías del pasado siguieran vivas. En la casa de té más antigua de Lijiang, el maestro He Xiao Jun no solo vende té, también lo sirve en infusiones de varias etapas. Pruebo distintos niveles de fermentación y siento cómo la astringencia creciente baila en mi lengua como burbujas de jabón. La mano de He Xiao Jun toma con ternura la tetera, el agua fluye, y el aroma del té Pu’er se derrama sin esfuerzo en el cuenco decorativo frente a mí. Este té es potente, áspero, salvaje. Gracias a su esencia —procedente de la variedad Assamica de hoja ancha—, a su origen en el sur de Yunnan y al proceso de fermentación, se transforma en un té que me embriaga. Un instante suspendido en armonía, lleno de silencio y devoción. Ese momento mágico vibra dentro de mí y permanece. Lo respiro, y luego lo suelto.

II SANGUSHUIA (三股水)

Oigo

La montaña Yulong 玉龙雪山 (Dragón de Jade), con sus 5.596 metros de altura, se desvanece lentamente en el horizonte. Mi próximo refugio se encuentra más al norte, siguiendo el Tea Horse Road. Atravesando colinas eternamente verdes, la luz amarillo-rojiza del atardecer acaricia los tejados de teja tradicional del pueblo de Sangushui. El destino me toma con firmeza, y tengo la fortuna de encontrarme con Rong Gui, uno de los últimos hombres que caminaron esta antigua ruta. Realizó su primer trayecto con solo 4 años, acompañado de su abuelo. El último, en 1988, alcanzó —según él— los Himalayas a más de 6.000 metros de altitud. Aunque el caballo más fuerte iba siempre al frente, se perdían mulas en el camino. «Pero la carga siempre llegaba», dice con una leve sonrisa.

Lo escucho durante largo rato, bien entrada la noche silenciosa que nos envuelve. Mis pensamientos se quedan con él, se aferran a sus palabras, y yo vuelo, sin peso, sobre cumbres, valles y ríos —compañeros que me seguirán durante mucho tiempo. Mente y cuerpo en sintonía.

III SHANGRI-LA (香格里拉市)

Siento

Me adentro más profundamente en las montañas, hacia el norte. Mi respiración se vuelve pesada, el corazón late con más fuerza. Puedo sentir la pendiente; el aire se vuelve más ligero. Atravesar las profundas gargantas y los altos pasos del altiplano Tíbet-Qinghai requiere fuerza. En mula, tardaría meses. Frente a mí se encuentra Zhongdian (中中), el primer gran asentamiento del Tíbet étnico y, en su época, el siguiente gran puesto comercial después de Lijiang. Mi camino atraviesa desfiladeros profundos que cortan las laderas escarpadas, como si una hoja de obsidiana hubiese rasgado la cordillera. Más allá del horizonte, el mundo parece acabarse.

Empiezo a comprender por qué las autoridades locales renombraron hace algún tiempo la ciudad de Zhongdian como Shangri-La, inspirándose en el lugar legendario del libro Horizonte perdido de James Hilton. Quizás porque, en la historia, llegar al amparo de esa ciudad representaba una especie de salvación. Quizás porque, después de un ascenso tan arduo, cualquier cosa que venga después se percibe como una experiencia de paz y armonía.

Una antigua casa tibetana, bien conservada, llama mi atención. Leo el cartel: “Estudio de pintura de thangka”. Siempre ha sido un sueño para mí probar la iconografía budista. El maestro thangka me recibe con calidez, y desde el primer momento siento una afinidad con su trabajo. Mi mirada se desliza con fluidez sobre las pinturas en rollo. Historias de hace dos mil años llenan la sala. Relatan la vida del Buda, el arte de la medicina, la geografía —y son testigos contemporáneos del día a día del pueblo tibetano.

Me siento frente a una gran mesa de madera. La luz cae suavemente sobre el papel del rollo, y mi pincel fino se sumerge lentamente en los colores naturales obtenidos de plantas y minerales. Mi mente guía mi mano. Mi mano guía la punta del pincel.

IV BENZILAN (奔子栏)

Veo

Mi mente y mi cuerpo están en armonía, y decido continuar mi viaje hacia el norte, siguiendo el Tea Horse Road. Ansío absorber energía positiva; esta región es una de las más biodiversas del planeta, gracias a la presencia de tres ríos paralelos: el Yangtsé, el Mekong y el Nujiang. En el camino, me adentro en los bosques tibetanos y sigo los arroyos fríos y cristalinos a 3.400 metros de altitud, alimentados por el deshielo. A lo largo del sendero, una variedad de setas se alza desafiante a mi paso. Los boletus y los rebozuelos son fáciles de identificar. Con algo de ayuda, descubro también boletus tibetanos y hongos de azufre.

Una y otra vez me cruzo con pequeños montículos de piedras; no sé si sirven como señales de orientación o si simplemente marcan el camino. Los últimos rayos cálidos del sol se cuelan entre el denso dosel de hojas de los árboles. ¿Será el efecto del ritual de bendición tibetano celebrado por la mañana? ¿O es la armonía que siento dentro de mí en este preciso instante? ¿O quizá es este paisaje increíblemente imponente el que resuena en mi interior y provoca un cambio más grande que la suma de todas las experiencias que he vivido con mis sentidos durante este viaje hacia lo más profundo de la Tea Horse Road?

Incontables kilómetros se extienden ante mí, rumbo noroeste, siguiendo la Tea Horse Road hasta su fin, en lo más profundo del altiplano tibetano. Cada metro recorrido queda atrás, claro y puro; cada metro por recorrer representa una aventura aún por conquistar. En esta encrucijada se encuentra la experiencia transformadora definitiva, rica en diversidad cultural — en cada instante, con todos mis sentidos.

L – Luxiders Magazine
JDC – Jacopo Di Cera

L: Tus obras “Fino alla fine del Mare” e “Il rumore dell’assenza” evocan poderosas huellas de fotomaterialismo, emoción, fractura y memoria. ¿Podrías contarnos más sobre ellas y qué otros temas se te vienen a la mente al imaginarlas?

JDC: “Fino alla fine del Mare” es una obra nacida de la urgencia de la migración. Está compuesta por imágenes en primer plano de embarcaciones de migrantes abandonadas en las costas de Lampedusa—objetos que han transportado vidas, miedos y esperanzas. A través del lenguaje del fotomaterialismo, integro fragmentos de materiales reales—sal, óxido, madera—para transformar rastros documentales en composiciones abstractas. Así, la materia se convierte en testimonio, y la abstracción en memoria.
“Il rumore dell’assenza” habla de otro tipo de trauma: el devastador terremoto de Amatrice. Las obras son frágiles, fracturadas, intencionadamente incompletas—cada pieza es un eco de lo perdido y de lo que permanece en silencio. Ambos proyectos exploran temas como la ruptura, la supervivencia y los residuos invisibles de la presencia humana.

L: Tu obra maestra con enfoque ecológico “Retreat”, que fue presentada en la Art Dubai 2025, fue creada en colaboración con CIFRA, Tim Maiwald de So Much (Trash) Studio y The Astronut (Massimiliano Ionta). ¿Cómo surgió la idea y el nombre del proyecto, y qué temas se destacaron más durante el proceso creativo?

JDC: “Retreat” fue concebida como una elegía vertical para un mundo que desaparece. La idea surgió investigando el glaciar Brenva — cómo su retroceso físico refleja nuestro propio desapego emocional de la naturaleza. El nombre alude tanto a una retirada geográfica como psicológica. Esto es una emergencia. Las cifras demuestran la aceleración de esta tendencia. Pero la gente no quiere verlo. La única forma de crear “conciencia” es a través de la emoción. Un golpe directo al estómago. Eso es Retreat.

L: La obra ecológica “Retreat” no solo es una instalación sin impacto ambiental —presentada en 40 monitores completamente sostenibles y reciclados—, también es un bucle digital infinito que documenta el trágico declive, o “retirada”, del glaciar Brenva, uno de los más queridos del mundo. ¿Podrías contarnos la narrativa y la motivación detrás de la obra?

JDC: La narrativa se despliega de forma vertical, como un glaciar. Cuarenta monitores, apilados y alineados como capas de hielo, muestran el lento colapso del glaciar Brenva — una sinfonía visual en la que el hielo se convierte en agua en un ciclo sin fin. La estructura misma se transforma en metáfora: con cada monitor vendido, se elimina un segmento, igual que cada año funde una parte del glaciar. La motivación era traducir los datos científicos a un lenguaje emocional, para que las personas puedan sentir la pérdida, no solo comprenderla. Es una elegía en píxeles.

L: “Retreat” aborda temas como la conciencia ecológica, el declive trágico del glaciar Brenva y un sentimiento de nostalgia. ¿Es la nostalgia un tema recurrente en tu obra?

JDC: Sí y no. La nostalgia es, a veces, un filtro a través del cual observo la realidad. Pero no en un sentido romántico. Es la nostalgia por lo que desaparece ante nuestros ojos. Una nostalgia por el futuro que estamos perdiendo. “Retreat” genera justamente este tipo de emoción. En otras de mis investigaciones sociales, el enfoque es diferente: en “Sospesi”, en mis fotografías cenitales que capturan el aliento del verano y el invierno, hay más de diez años de trabajo. Las imágenes más antiguas generan esa sensación de forma distinta a las más recientes. Creo que es una evolución natural: lo que puede generar una fotografía histórica frente a una contemporánea.

L: Si pudieras compartir con el mundo unas palabras de sabiduría sobre el cuidado del medio ambiente, ¿cuáles serían?

JDC: No esperes a que algo desaparezca para darte cuenta de que era sagrado. Aprende a ver lo invisible antes de que se haya ido.

L: Además de ser un componente potente e inspirador en tu obra, ¿hay otros lenguajes artísticos (como el cine o la literatura) que también te inspiran a crear con conciencia ambiental?

JDC: Absolutamente. La literatura, como los escritos de *Italo Calvino* en Ciudades invisibles, me recuerda la fragilidad de los mundos —tanto reales como imaginados.
Películas como Leviathan o Anthropocene ofrecen experiencias sensoriales de tensión ecológica. Pero el contenido más inspirador es la realidad misma.

L: Dado que “Retreat” es una de tus creaciones más recientes y, sin duda, extraordinarias, ¿qué ideas futuras estás deseando llevar a cabo?

JDC: Con “Retreat” sentí que había abierto una puerta: un lenguaje hecho de bucles de video verticales, tecnología reciclada y paisajes sonoros que transforman los datos ecológicos en emoción. Ahora quiero llevar ese lenguaje más allá. Estoy trabajando en ampliar “Retreat” hacia un cuerpo de obra más amplio que aborde otras grandes crisis medioambientales causadas por el cambio climático: la sequía, las inundaciones, los incendios forestales. Cada uno de estos fenómenos deja cicatrices, tanto visibles como invisibles, y mi intención es traducirlos en instalaciones de nuevos medios que se mantengan fieles a la misma gramática visual y sonora.

La ambición es crear una constelación de obras que hablen de nuestra ansiedad ambiental compartida, utilizando el arte como medio para testimoniar, traducir y recordar.
Ese mismo formato inmersivo y sensorial —donde lo que desaparece se convierte en forma— puede convertirse en un vehículo para nuevas narrativas de fragilidad, urgencia y cuidado.

L: ¿Qué palabra te viene a la mente al crear una obra que une los mundos del arte y la naturaleza?

JDC: Interdependencia.

L: Si tuvieras que compartir con el mundo otra frase de sabiduría sobre el cuidado del medio ambiente, ¿cuál sería?

JDC: Protejamos lo que no podemos volver a crear. No solo por nosotros, sino por todas las generaciones que vendrán.

Según la OCDE, en 2022 se estimó que, si seguimos con las tendencias actuales, la cantidad de plástico que producimos casi se triplicará para 2060. Para entonces, la humanidad habrá generado más de 42 mil millones de toneladas de plástico, dañando gravemente el medio ambiente. Esta alarmante noticia se debe al uso ineficiente y desechable del plástico. Una de las formas más comunes es a través del embalaje.

Algunos dicen que la solución al problema del embalaje plástico es el reciclaje, ¿pero lo es realmente? Según el informe de mayo de 2025 de la REUSE Foundation, “Where Now For Plastic Packaging?”, el reciclaje no es la solución para combatir el embalaje plástico.

Para la REUSE Foundation, la mejor manera de resolver el problema del exceso de envases plásticos es reutilizarlos. Apostar por esta solución “tiene el potencial de reducir los residuos plásticos hasta en un 90 %” — lo cual es realmente prometedor. Lo que no resulta tan alentador es que muchas empresas aún no han adoptado estrategias de reutilización para los envases plásticos. En su lugar, siguen apostando por envases desechables y por “la ilusión de que el reciclaje todavía funciona”.

A pesar de esta insistencia en mantener soluciones poco efectivas, un estudio de 2025 realizado por GoUnpackaged reveló que el 68 % de los 2.000 adultos encuestados en el Reino Unido estarían dispuestos a integrar sistemas de reutilización en su compra semanal, siempre que fueran soluciones prácticas. Esto demuestra que las personas quieren reutilizar. Y sí, puede que implique ciertos desafíos, pero también conlleva numerosos beneficios.

De hecho, según la REUSE Foundation, “muchas empresas exitosas ya ofrecen productos y soluciones que demuestran que la reutilización puede ser económicamente viable”. Por tanto, aunque parezca complicado, la reutilización es la verdadera solución al problema de los envases plásticos.

Hasta ahora, el esfuerzo más importante en la lucha contra los envases plásticos proviene de The Global Commitment, “un programa concebido y liderado por la Fundación Ellen MacArthur y el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente”.

Su enfoque consiste en hacer que el uso del plástico sea “más circular”, mediante acciones como “cambiar su composición, priorizar el contenido reciclado sobre el plástico virgen y eliminar los elementos no reciclables”. Si bien esta propuesta tiene potencial, no resuelve por completo la crisis del plástico. “En realidad, el objetivo solo anima a las empresas a hacer algo de impacto insignificante y perpetúa cadenas de suministro lineales, mientras se afirma que se avanza hacia soluciones ‘circulares’.” — REUSE Foundation

Entonces, ¿qué podemos hacer para actuar con decisión?

Por eso, para la REUSE Foundation, la reutilización es actualmente la mejor solución al problema de los envases plásticos.

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Nevold, una empresa independiente lanzada por Chanel, está dirigida por Sophie Brocart —ex directora ejecutiva de la marca de lujo Patou—, quien se unió a Chanel en enero. El objetivo de Chanel con esta empresa es ampliar el uso de textiles circulares tanto para sus propias colecciones como para terceros.

Según los medios estadounidenses WWD, el desarrollo de Nevold incluyó una inversión inicial de entre 50 y 80 millones de euros. Para este proyecto, Nevold contará con las principales inversiones actuales de Chanel: L’Atelier des Matières, el laboratorio interno de reciclaje de Chanel que transforma residuos de lujo en materiales reutilizables; la hilandería familiar Filatures du Parc; y la empresa francesa especializada en reciclaje de cuero Authentic Material.

Esta empresa es un elemento clave para abordar la escasez de fibras de alta calidad con origen trazable, el problema de los residuos en la industria de la moda y el desperdicio en la moda de lujo. Además, su objetivo de entrar en el mundo de la moda circular y producir nuevos materiales es notable.

“Comenzamos preguntándonos qué pasa con los materiales que no llegan a formar parte de un producto final o aquellos que alcanzan el final de su primera vida”, explicó Pavlovsky, presidente de la división de moda de Chanel y de Chanel SAS, en una entrevista con Vogue Business.

Nevold es, entonces, la entidad creada para convertirse en el tercer pilar industrial de Chanel. Con ella, Chanel logrará su objetivo de desarrollar materiales reciclados a escala industrial.

Además de operar bajo un modelo B2B (empresa a empresa), Nevold también estará disponible para otras marcas, además de Chanel. De hecho, ya ha comenzado una colaboración con la cadena deportiva francesa Decathlon. Entre otras noticias emocionantes, Nevold ya presenta dos innovaciones listas para el mercado de la moda: un hilo elaborado a partir de una mezcla de fibras vírgenes y recicladas, y un material de cuero reciclado que ya está integrado en el 30 % de los bolsos de Chanel y el 50 % de sus zapatos.

Lo que comenzó como una forma de meditación personal se ha convertido en una práctica consciente arraigada en la sostenibilidad, la sencillez y una profunda conexión con uno mismo. Cada pieza que crea —terrenal y esencial— cuenta la historia de la presencia, la paciencia y el poder de trabajar con las manos.

La cerámica como meditación: La historia de Cristina Vila-Homs

Para Cristina Vila-Homs, la cerámica nunca fue solo un oficio —fue una forma de calmar la mente. Lo que comenzó como una meditación personal evolucionó hasta convertirse en CVH Ceràmica, un estudio lleno de alma, enclavado en la quietud de Menorca. «Al principio no tenía un proceso», comparte Cristina. «Simplemente aprendí del barro mientras trabajaba con él».

Hace seis años se mudó a la isla junto a su pareja. Fue aquí donde la cerámica se transformó en algo más que una práctica: se convirtió en una compañera. «Es algo a lo que vuelvo siempre que lo necesito», dice. «Siempre ha sido una relación sana». Sus formas son elementales —cuencos, tazas, jarrones—, rara vez con asas, siempre funcionales, nunca ornamentales.

Forjada en silencio, nacida de la paciencia

El proceso es lento e intencional. Cristina modela cada pieza a mano, guiada no por bocetos, sino por el instinto. Trabaja sola, casi siempre en silencio, permitiendo que el acto de creación le despeje la mente. «Empecé a trabajar con arcilla cuando mi madre estaba enferma», cuenta. «Me vacía tanto la mente que, a veces, yo misma me sorprendo de lo que he creado».

Cada pieza es un viaje: modelado, secado (afectado por la humedad de Menorca), recorte, primera cocción, esmaltado y una segunda cocción a alta temperatura. El nacimiento de una pieza puede tardar hasta 15 días. «No puedes abrir el horno hasta que se enfría —pone los nervios a prueba, pero te enseña paciencia».

Sostenibilidad y raíces locales

Nada se desperdicia. La arcilla sobrante se tritura, se rehidrata y se reutiliza. Sus creaciones se venden principalmente en Menorca, en lugares cuidadosamente seleccionados como NUMA, un centro artístico que reúne a artesanos locales. Cristina también ofrece clases íntimas de torno para una o dos personas, introduciendo a los alumnos en el ritmo y la paciencia que definen su oficio. «No te llevarás nada a casa el mismo día», sonríe. «Se trata de aprender el tiempo que la cerámica realmente necesita».

Una vida isleña entre arcilla

Las estaciones de Menorca moldean la vida y el trabajo de Cristina. El invierno es silencioso e introspectivo, mientras que el verano invita a una vida al aire libre, llena de energía. «Se necesita cierta madurez para vivir aquí», dice. «Menorca es solitaria — tienes que estar bien contigo misma. La cerámica me acompaña. Es una conversación conmigo».

Al mirar hacia el mar, encuentra una fuente inagotable de inspiración. «Los colores del mar junto al cielo… me conmueven más que las playas. Mis arcillas siempre me llevan de vuelta a esa vista».

Irónicamente, hace poco me encontré con un libro casi olvidado en mi librería: Inventario de pérdidas de Judith Schalansky. En esta obra extraordinaria, la autora escribe sobre cosas que han desaparecido: islas, obras de arte, lenguas, especies. Pero el libro no trata solo de lo perdido —también habla de cómo recordamos, qué elegimos preservar y qué puede que necesitemos reinventar. Estas preguntas parecen hoy más relevantes que nunca.

Vivimos en una época marcada por el repliegue —no solo hacia lo privado, sino también hacia el retroceso político y cultural, las tendencias reaccionarias y un conservadurismo encubierto. La sostenibilidad, que hasta hace poco era un principio rector fundamental, está siendo cada vez más cuestionada: se posponen los objetivos climáticos, se debilitan las leyes de diligencia debida en la cadena de suministro y se reducen las obligaciones de información. Los grandes sistemas —la política, la economía y la sociedad— parecen agotados ante la complejidad. Al mismo tiempo, la pérdida es real: desaparecen especies, colapsan ecosistemas y se agotan recursos. Y con ellos, desaparecen también partes de nuestro futuro. Restar importancia a la sostenibilidad hoy es practicar una peligrosa forma de olvido —lo que abandonamos hoy, puede perderse irremediablemente mañana.

Estos cambios suelen ser difíciles de percibir directamente —procesos lentos, silenciosos, que se desvanecen en la oscuridad. Tendemos a definir la realidad a través de la inmediatez: lo que no podemos ver, oír o sentir parece menos real. Pero es precisamente esta intangibilidad lo que lo hace tan peligroso. El filósofo Timothy Morton llama a estos fenómenos hiperobjetos —tan vastos en tiempo y espacio que desbordan nuestra capacidad de percibirlos o comprenderlos. “Son reales,” escribe, “pero no podemos verlos. Están aquí, pero no se pueden tocar.” La crisis climática avanza en silencio —y el olvido también.

La memoria, entonces, es una condición necesaria para una conservación significativa. Pero el recuerdo por sí solo no basta —necesitamos una configuración cultural. Audaz, radical, con visión de futuro. En esta edición de Luxiders, exploramos la práctica cultural de preservar, transformar y renovar —como un acto de resistencia contra el olvido.

En la edición impresa número 13 de Luxiders Magazine, el arte y la sostenibilidad se entrelazan en una sinfonía de creación consciente. Recorremos una paleta posthumana de tendencias imaginadas, nos sumergimos en historias de moda que revelan el frágil esplendor de la humanidad y exploramos el lenguaje cambiante de la estética, modelado por el tiempo, la naturaleza y el cambio. Entre estas narrativas de reinvención, indagamos en la esencia de la belleza sin edad y somos testigos de cómo el desperdicio alimentario se transforma en un gesto delicioso de gastronomía sostenible.

Surgen voces del mundo del arte —audaces y sin límites. Raphaël Barontini evoca un paisaje de la memoria con tintes carnavalescos, mientras Raquel Buj redefine el diseño a través de un propósito visionario. Diana Orving esculpe el movimiento a partir del tejido, dando forma a la danza intangible del pensamiento y el textil. En nuestras historias de moda Back to Elegance, Brise y Anthropocene, cada capítulo está protagonizado por marcas de lujo ecológicas que están dando forma al futuro de la sofisticación.

Como si se tratara de una fábula, viajamos al corazón del Macizo Colombiano, donde las voces ancestrales susurran con el viento y la esperanza es cultivada por quienes permanecen arraigados en la resiliencia.

Esta edición es más que una colección de historias —es una invocación a reconectar con los ritmos de la Tierra y co-crear un mundo donde la sostenibilidad se convierta en la forma más pura de belleza.