Lo que comenzó como una forma de meditación personal se ha convertido en una práctica consciente arraigada en la sostenibilidad, la sencillez y una profunda conexión con uno mismo. Cada pieza que crea —terrenal y esencial— cuenta la historia de la presencia, la paciencia y el poder de trabajar con las manos.

La cerámica como meditación: La historia de Cristina Vila-Homs

Para Cristina Vila-Homs, la cerámica nunca fue solo un oficio —fue una forma de calmar la mente. Lo que comenzó como una meditación personal evolucionó hasta convertirse en CVH Ceràmica, un estudio lleno de alma, enclavado en la quietud de Menorca. «Al principio no tenía un proceso», comparte Cristina. «Simplemente aprendí del barro mientras trabajaba con él».

Hace seis años se mudó a la isla junto a su pareja. Fue aquí donde la cerámica se transformó en algo más que una práctica: se convirtió en una compañera. «Es algo a lo que vuelvo siempre que lo necesito», dice. «Siempre ha sido una relación sana». Sus formas son elementales —cuencos, tazas, jarrones—, rara vez con asas, siempre funcionales, nunca ornamentales.

Forjada en silencio, nacida de la paciencia

El proceso es lento e intencional. Cristina modela cada pieza a mano, guiada no por bocetos, sino por el instinto. Trabaja sola, casi siempre en silencio, permitiendo que el acto de creación le despeje la mente. «Empecé a trabajar con arcilla cuando mi madre estaba enferma», cuenta. «Me vacía tanto la mente que, a veces, yo misma me sorprendo de lo que he creado».

Cada pieza es un viaje: modelado, secado (afectado por la humedad de Menorca), recorte, primera cocción, esmaltado y una segunda cocción a alta temperatura. El nacimiento de una pieza puede tardar hasta 15 días. «No puedes abrir el horno hasta que se enfría —pone los nervios a prueba, pero te enseña paciencia».

Sostenibilidad y raíces locales

Nada se desperdicia. La arcilla sobrante se tritura, se rehidrata y se reutiliza. Sus creaciones se venden principalmente en Menorca, en lugares cuidadosamente seleccionados como NUMA, un centro artístico que reúne a artesanos locales. Cristina también ofrece clases íntimas de torno para una o dos personas, introduciendo a los alumnos en el ritmo y la paciencia que definen su oficio. «No te llevarás nada a casa el mismo día», sonríe. «Se trata de aprender el tiempo que la cerámica realmente necesita».

Una vida isleña entre arcilla

Las estaciones de Menorca moldean la vida y el trabajo de Cristina. El invierno es silencioso e introspectivo, mientras que el verano invita a una vida al aire libre, llena de energía. «Se necesita cierta madurez para vivir aquí», dice. «Menorca es solitaria — tienes que estar bien contigo misma. La cerámica me acompaña. Es una conversación conmigo».

Al mirar hacia el mar, encuentra una fuente inagotable de inspiración. «Los colores del mar junto al cielo… me conmueven más que las playas. Mis arcillas siempre me llevan de vuelta a esa vista».

Antwerp Design Week 2025 no es solo una muestra de brillantez estética —es una declaración sobre cómo el diseño debe evolucionar para enfrentar los desafíos climáticos de nuestro tiempo. Ya sea que busques artículos para el hogar elaborados éticamente, materiales reciclados de vanguardia o piezas de arte inspiradas en la naturaleza, las marcas destacadas en este evento prometen inspirar un futuro más sostenible.

Según Geert-Jan Van Cauwelaert, fundadora de ADW, y Emma Vanbeckevoort, directora del proyecto, la sostenibilidad no es solo una palabra de moda en esta edición del evento —es un principio fundamental. Desde colaboraciones con escuelas de diseño que promueven la innovación ecológica hasta la propia organización del evento, cada aspecto está concebido con una mentalidad circular y responsable.

Sumérgete en un recorrido curado por cinco distritos que celebran tanto el legado belga como el talento internacional más visionario. Más allá de las superficies pulidas y la estética audaz, lo que distingue esta edición es el claro giro hacia la sostenibilidad como valor central. Desde métodos de producción responsables hasta materiales inspirados en la naturaleza, aquí están las marcas y conceptos que no debes perderte si buscas diseño consciente.

Evolution21
Elegancia atemporal, gusto sofisticado.

Uno de los nombres más emocionantes del cartel es Evolution21, una marca de diseño que está revolucionando el mundo del mobiliario contemporáneo de lujo con sus diseños clásico-modernos. Bajo la dirección de Karine Bonjean, Evolution21 ofrece una elegancia atemporal para gustos sofisticados.

Sus artesanos combinan la tradición con la innovación, creando piezas elegantes con maestría. Comprometidos con la excelencia, utilizan materiales de primera calidad y cuidan cada detalle al máximo. Reconocidos en toda Europa por sus textiles y cueros de alta gama, garantizan calidad en cada una de sus creaciones.

Atelier Vierkant
Forma orgánica, arcilla local.

Conocido por su cerámica escultórica, Atelier Vierkant sigue honrando la tierra a través del uso de arcilla local y orgánica y técnicas de artesanía atemporales. Cada pieza se elabora en Bélgica por artesanos expertos, utilizando procesos de bajo impacto que destacan la durabilidad y la forma natural. Su filosofía abraza la lentitud y la autenticidad —valores que resuenan profundamente en un mundo cada vez más consciente del clima.

La estética distintiva de Atelier Vierkant se basa en formas y texturas orgánicas, inspiradas en la belleza de la naturaleza. Sus creaciones abarcan desde jarrones minimalistas hasta impactantes instalaciones escultóricas, todas caracterizadas por sus tonos terrosos, superficies táctiles y elegancia atemporal.

Domani
Enriqueciendo los espacios a través de la autenticidad

Domani es un reconocido fabricante de cerámica de alta calidad, definido por su pasión por la artesanía, los materiales naturales y el diseño atemporal. Cada pieza se concibe y diseña en su sede de Amberes, y luego se elabora meticulosamente en su taller cercano a la histórica ciudad húngara de Pécs, donde se honran las técnicas tradicionales al tiempo que se abraza la innovación.

Desde 2024, Domani forma parte de un nuevo grupo belga de lujo para exteriores, junto a Tribù, líder en mobiliario de exterior de alta gama. Esta alianza refuerza su compromiso con la excelencia, garantizando al mismo tiempo que Domani conserve su identidad única, su saber hacer artesanal y la integridad de su producción. Su enfoque sigue siendo el mismo: crear cerámica que enriquezca los espacios —interiores y exteriores— a través de la autenticidad, la presencia y la durabilidad.
 

D&M Depot
Belleza botánica en forma sostenible

Si la vegetación interior forma parte de tu estética, D&M Depot debería estar en lo más alto de tu lista. Conocida por sus macetas modernas y accesorios para el hogar, la marca ha avanzado notablemente en el uso de compuestos ecológicos y materiales reciclados. Su lenguaje de diseño es suave y minimalista—permitiendo que la belleza de la naturaleza y los materiales sostenibles se expresen por sí mismos.

Actualmente, la gama de D&M —para interiores y exteriores— incluye más de 1.500 productos de alta calidad. Gracias a su enfoque especial en la innovación de materiales, diseño y sostenibilidad, cada temporada presentan piezas decorativas con un carácter único y atemporal.

ASA Selection Tradición con estilo

Fundada en 1976, ASA Selection es una marca líder en accesorios de cerámica para el hogar. Con la filosofía de que “las cosas simples son hermosas”, ASA apuesta por formas y colores claros en productos como vajillas, utensilios de cocina y decoración. Comprometida con la sostenibilidad, la marca pone énfasis en una producción artesanal y justa, elaborando muchas de sus piezas en regiones cerámicas tradicionales como Portugal.

GOMMAIRE Vida orgánica

GOMMAIRE Organic Living es una marca belga que ofrece mobiliario de interior y exterior con un distintivo toque orgánico. Sus diseños atemporales —desde mesas de madera de teca hasta sofás tapizados y accesorios— se adaptan a cualquier estilo. Pensadas para ofrecer calidad y exclusividad, las piezas de GOMMAIRE convierten una casa en un verdadero hogar, asegurando disfrute duradero en cualquier entorno.

Gardeco Artesanía con conciencia

Los hipnotizantes objetos de arte y diseño de Gardeco nacen de la mente de diseñadores y artistas —tanto emergentes como consagrados— de todo el mundo. El resultado son colecciones exclusivas que evocan emociones profundas y transmiten historias con significado.
Gardeco sigue actuando como puente entre los artesanos globales y el diseño contemporáneo europeo, seleccionando materiales naturales y de origen responsable. Su enfoque en la producción a pequeña escala y en prácticas laborales justas demuestra cómo el diseño puede al mismo tiempo empoderar comunidades y proteger los recursos naturales.

Henry Dean Color y artesanía

Fundada en 1972, Henry Dean es una empresa familiar de segunda generación especializada en exclusivos objetos decorativos de vidrio. Inspirados en el arte y la naturaleza, todos sus diseños se crean internamente, con una atención especial al color y a la artesanía.

MEJORES PRODUCTOS EN INTERIOR & LIFESTYLE

Aufgetankt

Diseñadorr: Robin Woll & Luca Ganzert
Compañía: CITY DECKS
País: Alemania

Este mobiliario de calidad lleva la naturaleza verde que necesitas a tu ciudad. Con zonas de descanso elegantes y plantas que “reciben agua de forma continua” gracias a un sistema de riego solar automático, Aufgetankt es la solución perfecta para un mobiliario respetuoso con el medio ambiente y para crear “espacios de encuentro verdes y llenos de vida”.

From Dutch Wool and Seaweed

Diseñador: Nienke Hoogvliet
Compañía: Zeefier BV
País: Países Bajos

The Knitwit Stable y Zeefier colaboraron para producir esta alfombra sostenible e intrincada. Llamada “From Dutch Woof and Seaweed”, está elaborada “con lana local teñida con algas marinas ecológicas”. Zeefier, fundada por Nienke Hoogvliet y Anne Boermans, desarrolla tintes a base de algas. The Knitwit Stable, fundada por Reina Ovinge, está revitalizando la producción lanera en los Países Bajos. A través de este producto extraordinario, ambas marcas unen sus valores: honrar la sostenibilidad, ponerla en valor y mostrar su innegable belleza.

ZEN

Diseñadora: Julia Vegh
Institución: Fachhochschule Nordwestschweiz 
País: Suiza

Otro producto modular e intrincado que “[estimula] cuerpo y mente”. Con tres patrones únicos integrados, ofrece una experiencia sensorial transformadora gracias al increíble fieltro de lana virgen suiza que lo compone. Desde fortalecer los músculos del pie hasta aliviar la tensión “en todo el sistema musculoesquelético”, esta pieza única invita al individuo a sumergirse en un mundo de calma y sonidos, animándolo a no marcharse nunca y a sentir la naturaleza en todo su entorno.

Top bed system

Diseñadora: Daniela Puppa
Compañía: Frugone 1885 srl
País: Italia

Este “sistema de cama innovador”, diseñado por Daniela Puppa, es un conjunto completo compuesto por base boxspring, colchón y topper. Con un acolchado mejorado gracias al icónico Orange Fiber, este sistema de descanso ofrece una comodidad perfecta para el verano, con increíbles “propiedades de transpirabilidad y frescor”, y cuenta además con una “mezcla de lino y cachemir” ideal para el invierno. En otras palabras, ¿quién no querría tenerlo?

MEJORES PRODUCTOS EN WORKSPACE

Soundbounce

Diseñadora: Mathilde Wittock
Institución: Central Saint Martins
País: Reino Unido

Este increíble producto, diseñado por Mathilde Wittock, literalmente salva un elemento esencial del tenis. ¿Adivinas cuál? Las pelotas de tenis. Solo el 1% de los 400 millones de pelotas que se producen cada año se recicla, y el diseño de Wittock aborda directamente este problema al reducir este tipo de residuos. Con Soundbounce, las pelotas de tenis “desechadas” se transforman en “materiales circulares y modulares para separadores acústicos, paneles de pared y mobiliario”. Gracias a esta innovación, el futuro de las pelotas de tenis descartadas podría tener los días contados, y todo es gracias a Soundbounce.

CQuestBioX Erweiterung

Diseñador: Interface Inc.
Compañía: Interface Deutschland GmbH
País: Alemania

Diseñado por la empresa de soluciones para suelos Interface, CQuestBioX ha sido calificado como su “base más sostenible hasta la fecha”. Se trata de losetas de moqueta con huella de carbono negativa, disponibles en 363 colores, elaboradas con “materiales de origen biológico y rellenos reciclados”. Además, ¡este innovador producto está libre de PVC y betún! ¿No es increíble?

Second Use für E-Motoren

Diseñadores: Michael-Andreas Spreng & Francisco Trigueros Morera de la Vall.
Compañía: Audi AG
País: Alemania

Diseñado por Michael-Andreas Spreng y Francisco Trigueros Morera de la Vall, Second Use für E-Motoren (“Segundo uso para motores eléctricos”) es un enfoque de diseño extraordinario que permite “reacondicionar los motores eléctricos tras su primer uso”. Gracias a una renovación cuidadosa, no solo se alarga la vida útil de los motores, sino que también se reduce la basura electrónica y se “conservan recursos valiosos”. Este proyecto es simplemente genial.

MEJORES PRODUCTOS PARA NIÑOS

Bloom

Diseñadores: Thibault Lerailler, Philippe Marchand, Enora Labidurie, Gabrielle Lachance, Olivia Handfield
Compañía: Punctuate Design
País: Canadá

Este producto celestial, diseñado por Thibault Lerailler, Philippe Marchand, Enora Labidurie, Gabrielle Lachance y Olivia Handfield, es una solución de diseño flexible creada con el propósito de formar parte de la vida feliz de tu hijo o hija. Un diseño que representa “una alternativa low-tech” y que permite a los niños “construir lo que deseen”, este conjunto entrañable acompaña a los más pequeños mientras crecen, convirtiéndose en un recuerdo valioso o en un tesoro listo para ser transmitido a futuras generaciones.

CIRCLE

Diseñadora: Lydia Junker
Compañía: Hama GmbH Co. KG / Step by Step Schulranzen
País: Alemania

Apodada como “la primera mochila escolar reciclable” para niños de entre 5 y 9 años, este “set de mochila de 5 piezas” está compuesto por “un 97 % de materiales reutilizables o reciclables”. Además de contar con componentes fabricados con “materiales de origen único”, puede desmontarse por completo en sus distintas piezas, convirtiéndola en la mochila práctica ideal para un día escolar perfecto.

Natural Crayon Kit

Diseñadora: Sofia Catalan Garcia
Institución: Universitat Politècnica de Catalunya (UPC)
País: España

MEJORES PRODUCTOS EN LA CATEGORÍA MOBILITY

URWAHN STADTFUCHS

Diseñador: Sebastian Meinecke
Compañía: Urwahn Engineering GmbH
País: Alemania

Este elegante producto está hecho para acompañarte en tus aventuras urbanas. Diseñada por Sebastian Meinecke, surge de la “revolucionaria impresión 3D”, la especialidad de Urwahn Engineering GmbH. Gracias a un acero totalmente reciclable y adaptable mediante impresión 3D, esta bicicleta FAIRFRAME puede llevarte a cualquier rincón de la ciudad.

VER-TEC

Diseñador: Tobias Spröte
Compañía: Möve Mobility GmbH
País: Alemania

Este diseño revolucionario “permite reducir drásticamente los costes del proceso de unión estructural en todas las industrias”. No solo sustituye la soldadura “como método de ensamblaje”, sino que también facilita la producción en series pequeñas y favorece los procesos de reciclaje y reparación.

NEXA und LINK

Diseñador: Betreuender Professor: Prof. Detlef Rhein; LINK: Jessica Kaufmann, Katrine Struve, Laura Esteban, Lina Steinbock, John Feldmann, William Hoier; NEXA: Lisa Dethloff, Alicia Kastner-Pöhlmann.
Institución: Muthesius Kunsthochschule
País: Alemania

En este proyecto pionero, “dos equipos de estudiantes desarrollaron conceptos de transbordadores totalmente eléctricos y autónomos que reducen el tráfico de coches y promueven un transporte local climáticamente neutro”. Además de ser “rentables”, estos transbordadores minimalistas incorporan “sistemas autónomos para contrarrestar la escasez de mano de obra cualificada”.

MEJORES PRODUCTOS VERDES EN CUIDADO PERSONAL

Naturhautpflege “OliPhenolia®

Diseñador: Fattoria La Vialla
Compañía: Fattoria La Vialla
País: Italia

Basada en OliPhenolia y desarrollada por los laboratorios RSC Pharma, esta línea de cuidado de la piel natural ha sido creada pensando en todo tipo de pieles. Con ingredientes naturales procedentes directamente de materias primas con certificación Demeter cultivadas en la finca La Vialla, esta línea encarna el verdadero concepto de belleza natural. Desde cremas faciales y bálsamos de belleza, hasta cremas de manos y geles limpiadores, Naturhautpflege OliPhenolia® es el regalo celestial y natural que todos estábamos esperando.

MEJORES PRODUCTOS VERDES EN MODA

RAIS

Diseño: Johannes Wacker
Compañía: rolf.produktions GmbH
País: Austria

RAIS es una gafa sostenible hecha a base de judías. Parte de la Substance Collection, este innovador producto —creado en “forma de polvo” y “combinado con la bisagra patentada Rolf Flexlock”— logra un diseño elegante y sostenible que cuida del medio ambiente. Cómodas de llevar, ligeras y respetuosas con la piel, estas gafas marcan un antes y un después en la moda sostenible.

Bouretteseide

Diseño: Helena Harfst
Compañía: Helena Harfst
País: Alemania

Esta colección de seda bourrette incluye elegantes vestidos y camisas unisex con un “estilo distintivo”. Una colección perfecta para todas las estaciones, chic y cómoda, confeccionada con seda bourrette, un material que “es fácil de cuidar y se puede lavar a máquina sin ningún problema”. Esta línea de ropa es la solución más reconfortante y sostenible para tus necesidades de moda.

BackPaq

Diseño: Oscar Weiß
Institución: ecosign / Akademie für Gestaltung
País: Alemania

Upcycling Sneaker Minou

Diseño: Karina Ranft
Compañía: KAPIRE UNIKAT 
País: Alemania

Estas zapatillas unisex, simplemente celestiales, están hechas a partir de mantas de lana desechadas. Con un forro interior de cuero curtido sin cromo y una fabricación artesanal en Italia, estas zapatillas únicas se convierten en el calzado ideal para acompañarte en tus rincones favoritos de la ciudad.

Eco-tech bijoux

Diseño: Ludovica Cirillo
Compañía: ByLUDO srls
País: Italia

Los “eco-tech bijoux” son joyas ingeniosas elaboradas a partir de residuos electrónicos como “auriculares, cables y antiguos teclados”. Combinan innovación y sostenibilidad, ofreciendo una forma única y consciente de crear arte que es, a la vez, brillante y valioso. “Diseñadas para amantes de la tecnología y personas con conciencia ecológica… cada pieza es un recordatorio de que, en un mundo acelerado, nada es realmente obsoleto”.

Homage to Mountain

Diseño: Jehnna Yang
Institución: Central Saint Martins
País: UK

“Homage to Mountain” es un equipamiento alpino creado “para cineastas que documentan la vida salvaje en terrenos montañosos”. No solo incorpora flavonoides impermeables y con protección UV, inspirados en la flora alpina, sino que también presenta un diseño único que “imita a las plantas de alta montaña, ofreciendo resistencia al viento y camuflaje visual”. Ideal para soportar condiciones climáticas extremas, este equipamiento es el compañero perfecto para tus aventuras en la naturaleza.

MEJORES PRODUCTOS VERDES EN BUILDING DESIGN

KiTa aus Re-Use Bauelementen

Diseño: blrm Architekt*innen
Compañía: blrm Architekt*innen GmbH
País: Alemania

Este diseño incluye materiales reutilizados “de un antiguo edificio en ruinas de una guardería y de otras construcciones desmontadas en Darmstadt”. Concebido para permanecer en el mismo lugar con el objetivo de proteger y preservar la naturaleza, este edificio se centra en el concepto de identidad y en la “construcción circular”. Al mantenerse en su emplazamiento original, conservar el entorno natural y dar nueva vida a materiales que no necesitan ser desechados, esta construcción demuestra por qué la sostenibilidad importa de verdad.

MEJORES PRODUCTOS VERDES EN NUEVOS MATERIALES

Organoid® CARPE DIEM

Diseño: Organoid® Natural Surfaces Team
Compañía: Organoid® Technologies GmbH
País: Austria

Este producto, un interior sostenible que evoca “el aroma del Mediterráneo”, incluye “hierbas cuidadosamente seleccionadas” que realzan un diseño de interiores respetuoso con el medio ambiente. Para los amantes del interiorismo, es un imprescindible, porque ¿quién no querría sentir la esencia del Mediterráneo en su propio dormitorio?

TRASHBOARD

Diseño: François Jaubert
Compañía: TRASHBOARD
País: Francia

Diseñado por François Jaubert, TRASHBOARD presenta un nuevo material reciclado “avanzado” y un proceso de producción innovador. Con productos deportivos como monopatines de alto rendimiento y “baja huella de carbono”, TRASHBOARD abre un nuevo camino hacia el reciclaje sostenible, demostrando que el arte de reutilizar supera con creces las consecuencias de desperdiciar.

terrazzoflex

Diseño: Julia Linnig
Institución: Hochschule Düsseldorf
País: Alemania

El flex foil es conocido por ser una “importante fuente de residuos”. Julia Linnig aborda este problema con el ingenioso terrazzoflex, un material reciclado revolucionario “producido sin aditivos y caracterizado por su gran versatilidad”. Este innovador diseño pone el foco en la problemática de los residuos y demuestra que el reciclaje puede convertirse en arte y, a la vez, en una poderosa herramienta para mejorar el mundo.

MEJORES PRODUCTOS EN INITIATIVES

Tire repurposing

Diseño: Jean Francois Cassier
Institución: REGOM
País: Francia

REGOM ofrece soluciones impulsadas por inteligencia artificial para identificar y clasificar neumáticos usados a una velocidad industrial de uno cada tres segundos. Diseñada para recicladores de neumáticos, su tecnología optimiza la clasificación para su reutilización, reventa, recauchutado, recuperación de materiales y pirólisis. El sector del reciclaje de neumáticos ha sido tradicionalmente lento en adoptar la transformación digital, dependiendo durante décadas de inspecciones manuales. REGOM rompe con este statu quo al introducir eficiencia y tecnología basada en IA, aumentando el rendimiento de los procesos de reutilización, alargando la vida útil de los neumáticos, reduciendo residuos, minimizando el impacto ambiental y evitando la acumulación en vertederos.

BeeHaven

Diseño: Yao Yulu, Liu Xinyi & Dai Yanning
Institución: 中国美术学院
País: China

“BeeHaven” es un innovador diseño de colmena urbana que ofrece hábitats sostenibles para abejas polinizadoras en entornos urbanos. Está pensado para urbanistas, organizaciones medioambientales y comunidades que buscan fomentar la biodiversidad en las ciudades y apoyar a las poblaciones de abejas. Su sostenibilidad e innovación radican en la integración de escaneos digitales de formas arbóreas con fabricación aditiva a base de micelio, creando hábitats adaptativos que responden a las necesidades ecológicas de las abejas. Además, mediante análisis ambientales y el uso del algoritmo A-star para seleccionar ubicaciones óptimas, se garantiza una colocación científicamente fundamentada.

BEST PRODUCTS IN PACKAGING

Kelpi High-Barrier Coating

Diseño: Kelpi Technical Team
Institución: Kelpi
País: Reino Unido

Kelpi tiene la misión de combatir la contaminación por plásticos reduciendo la dependencia de combustibles fósiles y sustituyendo los plásticos de un solo uso por innovadores materiales a base de algas marinas. Aplicado como recubrimiento sobre papel, cartón y otros sustratos de fibra, Kelpi High-Barrier Coating está diseñado para replicar el rendimiento del plástico, convirtiéndose en una alternativa ideal para grandes empresas de bienes de consumo (FMCG) que buscan reducir su uso de plásticos. Gracias a los enlaces naturales incorporados en la química del material, este recubrimiento es reciclable y biodegradable, descomponiéndose por completo en el entorno sin dejar toxinas ni microplásticos.

Augenbrauen-Rasierer-Blister

Diseño: Chocal Packaging Solutions
Institución: Chocal Packaging Solutions GmbH
País: Alemania

El blister para perfilador de cejas de Chocal está hecho de papel y sustituye los envases de plástico convencionales. El papel proviene de bosques gestionados de forma sostenible y es completamente reciclable y compostable. El envase se adapta al producto como una segunda piel y es tan grande como necesario y tan pequeño como posible, lo que supone un enorme ahorro de material. Además, el proceso de termoformado energéticamente eficiente contribuye a reducir las emisiones de CO2. “De este modo, ofrecemos una alternativa de packaging que preserva los recursos y devuelve los materiales usados a la naturaleza.”

WOODMER Seal

Diseño: Petri Oinonen
Institución: Ecohelix
País: Suecia

WOODMER® Seal es un revolucionario recubrimiento termosellable a base de madera para packaging. Derivado de biomasa renovable de origen forestal, ofrece una alternativa mucho más ecológica frente a los recubrimientos plásticos tradicionales, con una reducción de emisiones de hasta un 90 %. No solo es respetuoso con el medio ambiente, sino que también garantiza un alto rendimiento, proporcionando sellados térmicos fuertes y fiables para envases de comercio electrónico, industriales y agrícolas. WOODMER® Seal permite estructuras monomateriales, mejorando la circularidad y reduciendo los residuos. Un recubrimiento termosellable sostenible y de alto rendimiento que te ayuda a cumplir con los requisitos del mercado y las normativas medioambientales actuales.

Estos son los ganadores de los Green Product Awards de este año: innovadores que crean, desarrolladores sostenibles que sueñan, verdaderos maestros en el arte de construir un mundo mejor por y para la sostenibilidad.

Desde los escenarios de Broadway hasta los espacios de hospitalidad de lujo, David Rockwell ha sido durante mucho tiempo reconocido por transformar entornos en narrativas. Pero con Casa Cork, su último proyecto presentado durante la Milano Design Week, Rockwell lleva esa narrativa aún más lejos —hacia el terreno de la sostenibilidad, la adaptabilidad y el diseño circular. Lo entrevistamos.

Su trabajo siempre ha estado en la intersección entre arquitectura, diseño y narración. ¿Cómo define el diseño sostenible en el mundo actual?

Por supuesto, el diseño sostenible abarca muchos componentes, desde productos saludables y sostenibles que benefician tanto al medio ambiente como a las personas, hasta procesos constructivos y de diseño que reducen el desperdicio. El corcho es un ejemplo perfecto de un producto natural excepcional: los alcornoques no se talan ni se dañan durante la cosecha, en la que la corteza (o plancha de corcho) se extrae con cuidado. Cada nueve años, esta corteza —que absorbe y retiene grandes cantidades de CO₂— se regenera y puede volver a recolectarse. Después de su uso inicial como tapón de botella —su aplicación principal—, el corcho, por su naturaleza flotante e impermeable, puede reciclarse, manteniendo su capacidad de secuestrar carbono.

Pero, en un sentido más amplio, cuando pensamos en sostenibilidad en Rockwell Group, pensamos en durabilidad y audiencia. ¿Será un proyecto disfrutado y utilizado durante mucho tiempo por muchas personas? ¿Tiene la capacidad de transformarse y adaptarse con el tiempo? La adaptabilidad es una pieza clave de la sostenibilidad. Siempre nos entusiasma trabajar en edificios históricos o espacios emblemáticos —o incluso en lugares comunes que antes fueron algo completamente distinto. Ahí es donde podemos reutilizar recursos valiosos y beneficiarnos de la pátina del tiempo.

Su proyecto más reciente, Casa Cork, está siendo presentado en la Milano Design Week. ¿Qué le inspiró a trabajar con corcho y qué historia cuenta este proyecto?

Llevamos mucho tiempo interesados en el corcho. Años antes de que surgiera la idea de Cork Collective, desarrollamos junto a Maya Romanoff una colección de revestimientos murales de corcho llamada Porto. Ya entonces nos fascinaba el corcho por su increíble variedad estética y su aplicabilidad en entornos arquitectónicos. Lo veíamos como un material sostenible, flexible y versátil para una amplia gama de espacios de hospitalidad.

En los últimos años, mientras pensábamos en cómo podríamos ser mejores guardianes de la sostenibilidad, nos impactó saber que 13 mil millones de tapones de corcho se desechan cada año en el mundo. Con nuestras raíces profundamente conectadas a la industria de la hospitalidad, sentimos la necesidad de movilizar a nuestra comunidad a través de una campaña educativa y de reciclaje que despertara conciencia sobre las propiedades transformadoras del corcho, ya que puede reciclarse una y otra vez.

En el verano de 2024 lanzamos el Programa de Recolección de Corcho en la Ciudad de Nueva York, en colaboración con más de 70 restaurantes, hoteles y tiendas de vinos. El corcho reciclado se utilizará para superficies de parques infantiles y espacios públicos en los barrios de la ciudad.

También quisimos llevar el programa a nivel internacional. Y cuando se trata de vino y diseño, sentimos que era necesario tener presencia en Milán e Italia. En pocas palabras, Casa Cork es una experiencia de hospitalidad diseñada para mostrar la innovación del diseño en corcho. Queríamos despertar la curiosidad y el sentido de descubrimiento de las personas con respecto a este material, y sentimos que una experiencia inmersiva y práctica, en colaboración con diseñadores y artesanos excepcionales, era el camino a seguir.

Los interiores, muebles e iluminación están elaborados casi en su totalidad con corcho. Seleccionamos objetos y materiales que mostraran tanto la versatilidad y belleza del corcho como el proceso de I+D detrás de su uso. Nuestra esperanza es que los diseñadores se sientan inspirados a pensar de manera diferente sobre el corcho y otros materiales sostenibles.

EL PODER DEL STORYTELLING EN LA ARQUITECTURA

Hemos leído que Casa Cork es una exploración de la sostenibilidad y la adaptabilidad. ¿Cree que este proyecto representa un cambio más amplio en la forma en que diseñaremos viviendas en el futuro?

Mucha gente lleva tiempo pensando en cómo diseñar de manera más sostenible; por ejemplo, actualmente hay diseñadores que están experimentando con Hemplime, un biocompuesto con carbono negativo hecho de una mezcla de cal y hemp hurds (el núcleo de las plantas de cáñamo industrial), utilizado para aislamiento de edificios con emisiones neutras de carbono. Espero que, con Casa Cork y Cork Collective, seamos otra fuente de provocación — otra voz que cuestiona si se pueden hacer las cosas de una manera un poco diferente, por el bien de nuestro planeta y de nosotros mismos.

¿Cómo pueden aplicarse los principios detrás de Casa Cork a mayor escala, ya sea en desarrollos urbanos o espacios comerciales?

Con Casa Cork, estamos creando un elemento de sorpresa y deleite —transformando lo que normalmente se considera un material mundano en objetos y acabados hermosos, funcionales, duraderos y reciclables. Lo que se ha hecho en Casa Cork se puede trasladar perfectamente a un entorno residencial o comercial. También esperamos que inspire a diseñadores, propietarios y promotores a pensar en una gama más amplia de materiales sostenibles y en cómo pueden utilizarse de formas nuevas e ingeniosas.

La sostenibilidad en el diseño a menudo conlleva desafíos. ¿Hubo obstáculos inesperados o descubrimientos durante el proceso de desarrollo?

Uno de los principales retos es diseñar algo reutilizable. En cualquier proyecto que tenga la intención de viajar, el detalle es extremadamente importante en cada etapa del proceso de desarrollo, para asegurar que cada componente se pueda desmontar fácilmente y sea portátil.

Siempre hay desafíos en la investigación y desarrollo cuando se experimenta con un material nuevo, especialmente con un plazo de producción tan corto. El corcho no era un material con el que nuestro fabricante local tuviera mucha experiencia, así que este proyecto realmente nos permitió asumir riesgos.

¿Puede compartir algunos detalles sobre los materiales y técnicas utilizadas en el proyecto para garantizar un bajo impacto ambiental?

Gran parte del corcho proviene de Amorim, que utiliza corchos reciclados o recortes reutilizados de su producción de tapones de corcho. Los estudiantes de Parsons trabajarán con corchos de vino reciclados de Amorim, que está fabricando sus prototipos. Suber Design y Amorim Cork Italia están proporcionando material de corcho reciclado al Politecnico y fabricarán los prototipos de los finalistas.

Casa Cork presenta una gran réplica de un alcornoque, revestida con corcho virgen recuperado de árboles que habían caído debido a enfermedades o tormentas eléctricas. La instalación en sí está diseñada y construida de manera modular para que podamos desmontarla y trasladarla a diferentes ciudades. Actualmente estamos explorando posibles ubicaciones futuras.

Si hablamos del corcho utilizado para la instalación: Aproximadamente 200 bloques de corcho de distintas densidades, aproximadamente 200 metros de rollos de corcho de distintas densidades y aproximadamente 270 m² de suelo de corcho.

INSPIRACIONES Y VISIÓN

¿Quién le inspira actualmente en el ámbito del diseño sostenible? ¿Hay arquitectos, diseñadores o movimientos que admire?

Cada vez hay más profesionales del diseño y arquitectos que están logrando avances significativos en el diseño sostenible. Algunos que me vienen a la mente son Matthew Barnett Howland, Dido Milne y Oliver Wilton, cuyo proyecto Cork House de 2019 está hecho casi en su totalidad de corcho macizo con capacidad estructural; Jonsara Ruth, directora de diseño del Healthy Materials Lab (HML) en la Parsons School of Design y fundadora de Salty Labs, un estudio colaborativo que utiliza el diseño para mejorar la salud humana y medioambiental; y la arquitecta Lesley Lokko, fundadora del African Futures Institute, que promueve la educación y la investigación para la próxima generación de líderes medioambientales. También nos inspiran constantemente los usos innovadores de materiales de construcción sostenibles como el hempcrete, el micelio, el bambú y la madera recuperada.

¿Qué espera que se lleven los visitantes de Casa Cork durante la Milano Design Week?

Esperamos que aprendan algo nuevo sobre la versatilidad del corcho y su valor dentro de una economía circular. Elegimos objetos y materiales para Casa Cork que son emblemáticos de esta idea, creados por grandes nombres del diseño de todo el mundo. Mostrar y desmitificar el proceso de I+D también fue importante, para que los visitantes puedan imaginar un camino para hacer algo similar.

¿Qué es para usted lo próximo en el diseño sostenible? ¿Hay algún proyecto futuro que debamos tener en cuenta?

En Casa Cork también estamos presentando nuestra nueva colección de iluminación para Stackabl, una empresa de diseño con sede en Toronto. Su misión es desviar 500 toneladas de residuos textiles de los vertederos para 2029. Fabricada a partir de rollos finales y recortes de fieltro, la colección incluye una gama de lámparas de mesa y de pie con formas cilíndricas geométricas audaces. Las bases están hechas de corcho macizo de bloques de Amorim, compuestos por corcho 100 % postindustrial, producido a partir de residuos del proceso de fabricación de tapones de vino.

La idea del hogar como santuario se remonta a tiempos prehistóricos, cuando los primeros seres humanos buscaban refugio para protegerse de los elementos. Con el auge de la agricultura, las sociedades pasaron de un estilo de vida nómada a viviendas permanentes, lo que llevó al desarrollo de diseños arquitectónicos e interiores cada vez más complejos. Con el tiempo, el hogar se convirtió en un símbolo de identidad cultural, influenciado por las estructuras sociales, los avances tecnológicos y las condiciones ambientales.

Filósofos y antropólogos como Martin Heidegger y Marc Augé han explorado el vínculo intrínseco entre los seres humanos y sus espacios habitables, enfatizando que un hogar es más que una estructura física: es un reflejo de nuestra identidad, un contenedor de recuerdos y una base para las relaciones. El sociólogo francés Pierre Bourdieu argumentó además que los espacios domésticos moldean nuestra vida cotidiana y nuestros comportamientos sociales, haciendo que la forma en que habitamos sea una parte fundamental de nuestra existencia.

Pioneros en el Diseño de Interiores de Dwelling Homes

La evolución hacia un diseño de interiores más consciente ha sido impulsada por arquitectos y diseñadores visionarios. Le Corbusier, una de las figuras más influyentes de la arquitectura moderna, enfatizó la funcionalidad y la optimización del espacio, acuñando el término “máquina para vivir”. Sus diseños allanaron el camino para hogares de planta abierta que maximizan la luz natural y la ventilación, elementos que siguen siendo fundamentales en el diseño contemporáneo de viviendas.

En el siglo XX, diseñadores como Charlotte Perriand y Alvar Aalto defendieron interiores centrados en el ser humano, incorporando materiales orgánicos y espacios fluidos que armonizan con la naturaleza. Su filosofía sentó las bases para los movimientos actuales de diseño sostenible y biofílico.

La Nueva Generación de Diseñadores especializados en Dwelling Homes

Nuevos diseñadores y arquitectos de interiores contemporáneos están redefiniendo el concepto del Dwelling Home al integrar la responsabilidad ambiental, la artesanía local y el bienestar emocional en sus proyectos. Algunas de las figuras más destacadas de este movimiento incluyen:

• Ilse Crawford. Conocida por su filosofía de diseño centrada en el ser humano, crea interiores que priorizan la comodidad, la textura y los materiales naturales.
• Vincent Van Duysen. Maestro de los interiores minimalistas pero acogedores, combina la simplicidad con una profunda atención a las texturas y la luz natural.
• Norm Architects. Este estudio danés adopta un minimalismo suave, diseñando espacios que son calmados, funcionales y profundamente conectados con la experiencia del usuario.
• Studio KO. Fusionando la estética modernista con técnicas artesanales, su enfoque respeta las culturas locales y la integridad ambiental.
• Cristina Celestino. Su trabajo combina historia y diseño contemporáneo, revisitando estilos del pasado mientras integra materiales sostenibles.

Presentadas inicialmente como el proyecto de tesis final de Kiki en Central Saint Martins, las zapatillas Rewild The Run también fueron exhibidas en la Semana del Diseño de Milán 2023, donde captaron una atención considerable. Y no es difícil entender por qué.

Con gruesas suelas de color azul eléctrico y una malla de púas curvas diseñadas para imitar las pezuñas y el pelaje de los animales, la creación de Kiki es tanto futurista como relevante. En los últimos años, el diseño ha entrado en una era donde la conciencia ecológica es prioritaria, con diseñadores que incorporan cada vez más la biomímesis o utilizan materiales éticos y sostenibles. El diseño arquitectónico también ha experimentado un cambio, con arquitectos y urbanistas que enfatizan la creación de espacios verdes para restaurar la biodiversidad perdida y mejorar la relación cada vez más tensa entre la humanidad y la naturaleza debido a la rápida urbanización, un fenómeno conocido como rewilding urbano.

Las zapatillas Rewild The Run convergen ambas tendencias, con un diseño basado en la biomímesis y el objetivo de fomentar la conexión entre los humanos y la naturaleza. Estas zapatillas ofrecen un vistazo a cómo podría ser la ropa del futuro.

El rewilding urbano desempeña un papel clave en el diseño de estas zapatillas, ya que Kiki busca democratizar este tipo de iniciativas. Al igual que los urbanistas promueven la creación de jardines en azoteas, corredores verdes y parques para fomentar la biodiversidad, la función del ecosistema y la persistencia de especies nativas, las Rewild The Run permiten a las personas contribuir activamente a la regeneración urbana al dispersar semillas mientras corren. Las suelas de las zapatillas imitan el mecanismo de epizoocoria, esencial en la dispersión de semillas por parte de los animales.

Recientemente tuvimos el placer de entrevistar a Kiki sobre su trayectoria en el diseño, las Rewild The Run y su visión sobre el rewilding urbano.

Uno de los objetivos de tus zapatillas Rewild the Run ha sido conectar a los seres humanos con el mundo natural. ¿Cuál es tu conexión personal con la naturaleza?

Mi conexión personal con la naturaleza está profundamente arraigada en mi educación y mis orígenes griegos, un país con una fuerte tradición de vivir en armonía con la naturaleza y la agricultura, comiendo de forma estacional y respetando los ciclos naturales de la tierra.
Sin embargo, fue durante la pandemia de COVID-19 cuando realmente volví a valorar la importancia de nuestra conexión con el mundo natural. Los confinamientos y las medidas de distanciamiento social trajeron un recordatorio claro de lo esencial que es la naturaleza para nuestro bienestar.

¿Puedes contarnos un poco sobre tu trayectoria en el diseño? ¿Siempre supiste que trabajarías en diseños ecológicos?

Mi trayectoria en el diseño ha evolucionado significativamente a lo largo de los años. Crecí queriendo convertirme en diseñadora de automóviles, sin embargo, estudiar Diseño Industrial en Central Saint Martins cambió mi enfoque hacia el diseño de productos y accesorios de moda. Después de la universidad, y a pesar de trabajar durante 4 años en la industria (en algunos proyectos de sostenibilidad), el desperdicio y el impacto causado por nosotros como diseñadores y por la industria en su conjunto se hicieron evidentes, lo que me llevó a regresar a Central Saint Martins para estudiar una Maestría en Material Futures.
Este curso me permitió explorar más a fondo y reaprender a diseñar de una manera más ecológica. Aunque no siempre supe que este sería mi camino, ser testigo de la necesidad de prácticas sostenibles me condujo aquí.

¿Qué tan importante es la biomímesis en tus diseños? ¿Es un campo que te gustaría explorar en futuros diseños?

Mientras trabajaba en *Rewild the Run*, me concentré en diseñar un mecanismo para que las zapatillas “recogieran y dispersaran semillas” (epizoocoria). Comencé colocando tiras de velcro en mis zapatos existentes para observar qué tipo de follaje recogía durante mis caminatas y carreras. Este experimento me recordó que el velcro es un ejemplo de biomímesis, lo que despertó mi interés en explorar cómo la biomímesis puede ser utilizada como herramienta de diseño, especialmente en proyectos enfocados en el medio ambiente, aunque también se ha convertido en una herramienta increíblemente útil para todo tipo de diseño.

¿Cómo equilibras la usabilidad con la conciencia ecológica en tus diseños? ¿Qué enfoque tomas para crear productos que sean comercialmente exitosos y beneficiosos para el mundo?

Equilibrar la usabilidad con la conciencia ecológica en mis diseños implica encontrar el equilibrio entre sostenibilidad y atractivo. Una parte significativa de este proceso es crear una conversación en torno a la sostenibilidad del producto, ya sea mediante el uso de bioproductos o destacando cuestiones ambientales. Al mismo tiempo, es esencial diseñar productos que resuenen con un mercado o comunidad específica sin alienarlos. Al integrar decisiones de diseño y fabricación ecológicas en el producto, podemos crear artículos que sean tanto comercialmente exitosos como beneficiosos para el mundo. Este enfoque no solo hace que los productos sean atractivos, sino que también promueve la conciencia ambiental y la responsabilidad entre los consumidores.

¿Cómo surgió el concepto inicial de las zapatillas Rewild the Run? ¿Puedes contarnos sobre el proceso que seguiste para desarrollar el diseño?

El concepto inicial de las zapatillas ‘Rewild the Run’ surgió de mi fascinación por cómo las especies clave contribuyen al rewilding, específicamente a través de un proceso conocido como epizooquoria. La epizooquoria se refiere a la dispersión de semillas que se adhieren al pelaje o las patas de los animales. Me inspiró este mecanismo natural y quise replicarlo en una forma vestible.

Para desarrollar el diseño, comencé a estudiar las texturas y patrones que facilitan la adherencia de semillas en la naturaleza. Como mencioné antes, el Velcro, una forma de biomimética, jugó un papel importante en este proceso. La invención del Velcro fue inspirada por cómo los cardos se pegaban a los pantalones de George de Mestral y al pelaje de su perro, gracias a sus pequeños ganchos. A partir de esto, diseñé texturas que imitan las capacidades de adherencia de semillas de plantas como el cardo y la planta de enganche.

La textura específica de las zapatillas ‘Rewild the Run’ combina elementos de estas plantas para crear un patrón eficaz inspirado en la epizooquoria. La suela gruesa y con plataforma se inspiró en el casco de un bisonte, una especie clave conocida por su impacto en el rewilding. Sin embargo, mi objetivo era combinar estas inspiraciones naturales con una estética futurista dirigida por lo digital, creando un diseño único y funcional.

¿Hay más desarrollos que hayas realizado a las zapatillas o en los que estés investigando actualmente?

¡Sí, definitivamente! Este proyecto comenzó como un proyecto de tesis para mi maestría, por lo que, naturalmente, el resultado ha sido bastante ‘conceptual’, por decirlo de alguna manera. Actualmente, estoy investigando y desarrollando cómo integrar el concepto de Rewild the Run de una manera más comercialmente viable y vestible, mientras sigo considerando las limitaciones ecológicas y materiales al trabajar en un proyecto de sostenibilidad. ¡Así que, en resumen, hay más por venir!

Hablemos sobre el rewilding urbano. La mayoría de las personas piensan que este concepto se limita al diseño arquitectónico y es responsabilidad de los responsables de políticas, planificadores urbanos, etc. Tus zapatillas ‘Rewind the Run’ subvierten esta creencia al mostrar cómo todos pueden contribuir a los esfuerzos de rewilding urbano. ¿Cómo definirías el rewilding urbano?

El rewilding urbano, por definición, tiene como objetivo restaurar los procesos naturales y reintroducir la naturaleza a escala de la ciudad. Si bien es alentador que los responsables de políticas y los planificadores urbanos se concentren en esto, quise democratizar el rewilding urbano con estas zapatillas. Este proyecto lleva el concepto a un nivel más pequeño y local, enfatizando nuestra conexión a menudo limitada con la naturaleza en entornos urbanos.
Nuestra conciencia sobre los sistemas naturales es particularmente frágil en las ciudades, por lo que involucrar a las personas a través de la moda y el deporte ofrece una oportunidad única para la participación personal. Al permitir que todos contribuyan, podemos fomentar una relación más profunda con la naturaleza en nuestras ciudades y aumentar nuestro impacto colectivo en el medio ambiente.

Estabas viviendo en Londres cuando diseñaste y lanzaste tus zapatillas ‘Rewind The Run’, ¿crees que es una ciudad que se alinea con tu filosofía de diseño en el rewilding urbano? ¿Hay aspectos de la ciudad que apoyen o desafíen particularmente tu enfoque?

Sí y no. Londres ha visto recientemente muchos esfuerzos increíbles e incluso radicales de rewilding urbano, como la introducción de castores en Greenford, al oeste de Londres. Estas iniciativas son maravillosas de presenciar y definitivamente se alinean con mi filosofía de diseño. Los numerosos parques y espacios verdes de la ciudad lo han hecho especialmente adecuado para ‘Rewild the Run’, ya que las zapatillas pueden facilitar la dispersión de semillas mientras se corre por diferentes áreas verdes.
Sin embargo, como cualquier entorno urbano, Londres ha experimentado daños significativos en su ecología local. Esto presenta un desafío pero también una oportunidad. Se ha vuelto crucial que defendamos entornos urbanos más verdes, sin importar en qué ciudad estemos, por lo que, al fomentar la participación individual en los esfuerzos de rewilding, creo que podemos contribuir colectivamente a restaurar y mejorar nuestros ecosistemas urbanos, ya sea en Londres o en cualquier otro lugar.

¿Qué papel juega la educación de los consumidores sobre el rewilding urbano y las crisis ecológicas en la planificación y el diseño de tu trabajo?

Un papel muy importante. Reconozco que no necesariamente se necesita un par de zapatillas nuevas en el mundo, pero la idea de usar un producto, como unas zapatillas para correr, como un medio de participación activa en un esfuerzo de rewilding más amplio es un mensaje importante que quiero transmitir.
Al integrar este concepto en ‘Rewild the Run’, espero inspirar a los consumidores a pensar de manera diferente sobre sus decisiones de compra, ya que es vital que las personas consideren la ecología y el medio ambiente en general cuando compran ropa, zapatos u otros productos. Mi objetivo es fomentar un cambio de mentalidad, donde los consumidores sean más conscientes de su impacto y más motivados para apoyar elecciones sostenibles y ecológicamente responsables.

Los estudios han demostrado que las chaquetas y los calcetines pueden mostrar involuntariamente los mecanismos de la epizoochoria. ¿Tienes planes de expandir los principios de diseño utilizados en tus zapatillas ‘Rewind The Run’ a otras prendas?

¡Definitivamente, me da mucha alegría cuando encuentro pequeñas semillas pegadas a mis calcetines o chaqueta durante una caminata! Por ahora, mi enfoque sigue estando en los zapatos y en perfeccionar el concepto de rewilding a través del calzado. Estoy colaborando con expertos y diseñadores para perfeccionar este enfoque y hacerlo lo más efectivo posible. Sin embargo, los principios utilizados en las zapatillas ‘Rewild the Run’ ciertamente tienen el potencial de aplicarse a otras prendas en el futuro. Así que, ¿quién sabe? ¡Mantén un ojo en este espacio!

Diseño Circular: Un Nuevo Modelo para una Vida Sostenible  

El diseño circular es un enfoque en el que se considera cada aspecto de la vida útil de un producto, garantizando un desperdicio mínimo y una máxima eficiencia en el uso de los recursos. Durante siglos, el consumo humano ha seguido en gran medida un patrón lineal: extraer recursos, fabricar productos, usarlos y luego desechar lo que queda. Ahora, a medida que las presiones ambientales se intensifican, un modelo alternativo conocido como “diseño circular” ha comenzado a moldear las conversaciones sobre cómo crear un futuro más sostenible. En esencia, el diseño circular busca minimizar los residuos y maximizar la eficiencia de los recursos mediante la reconsideración de cada aspecto del ciclo de vida de un producto o sistema. Desafía a diseñadores, fabricantes y consumidores a pensar en cómo se obtienen los materiales, qué tan fácil es mantener y reparar los productos y cómo pueden desmontarse o reciclarse una vez que llegan al final de su vida útil.

Este método enfatiza el ciclo de vida completo de un producto: desde la extracción de materiales hasta la posible regeneración de esos insumos al final del proceso. Insiste en el uso de materiales sostenibles—preferiblemente renovables o reciclados—para reducir nuestra dependencia de los recursos vírgenes. También es esencial la idea de “longevidad diseñada” mediante características de reparación y mantenimiento que mantengan los productos en circulación el mayor tiempo posible. La modularidad y la adaptabilidad siguen naturalmente este principio, con componentes que pueden mejorarse o reemplazarse sin necesidad de desechar un producto entero. En industrias que van desde la moda hasta la tecnología, esto ha llevado a nuevas formas de pensar sobre cómo los productos pueden desensamblarse y reciclarse o transformarse cuando han llegado al final de su vida útil. El trabajo de Ellen MacArthur sobre la economía circular ha sido fundamental para popularizar estas ideas, demostrando cómo un circuito cerrado de uso de materiales puede reducir el desperdicio y reducir costos de una sola vez.

Aunque el concepto puede rastrear sus raíces filosóficas hasta las prácticas ingeniosas de las civilizaciones antiguas, el diseño circular moderno ganó una tracción significativa a finales del siglo XX. La publicación de Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things por William McDonough y Michael Braungart en 2002 ofreció un marco para ciclos de vida de productos continuos y mostró ejemplos reales de cómo diseñar desde el principio con el reciclaje de fin de vida en mente podría reducir el daño ambiental. Alrededor de la misma época, la simbiosis industrial de Kalundborg en Dinamarca demostró que fábricas aparentemente dispares podían compartir residuos y subproductos con un beneficio mutuo. La Fundación Ellen MacArthur formalizó muchas de estas primeras ideas en estrategias accionables a partir de 2010, mostrando eficazmente a gobiernos y corporaciones multinacionales cómo podría verse en la práctica una estrategia de diseño circular.

Las cifras recopiladas por el Foro Económico Mundial sugieren que adoptar completamente un modelo circular podría añadir alrededor de 4,5 billones de dólares en producción económica para 2030. Es una suma enorme, pero no sorprende cuando se observa que un influyente estudio de McKinsey & Company estima que el 80% de todo el impacto ambiental relacionado con los productos se determina en la fase de diseño. La capacidad de definir cómo extraemos, usamos y eventualmente desechamos los recursos recae firmemente en manos de quienes primero esbozan un producto. Igualmente impactante es el cálculo del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente de que la extracción y el procesamiento de materiales son responsables de más del 20% de las emisiones globales de gases de efecto invernadero, un número que subraya por qué los diseñadores que comienzan con principios circulares pueden ser verdaderos agentes de cambio en la lucha contra el cambio climático.

Historias de Éxito del Diseño Circular

El impulso del diseño circular se siente en múltiples industrias. Las marcas de moda están lanzando jeans cosidos de manera que las cremalleras se puedan reemplazar fácilmente, los fabricantes de electrónicos ofrecen teléfonos modulares que permiten a los consumidores actualizar cámaras o baterías sin desechar todo el dispositivo, y están surgiendo comunidades enteras dedicadas a compartir y redistribuir artículos que de otro modo serían desechados. Es un enfoque que va más allá de la mera estética, centrándose en la longevidad, la adaptabilidad y el impacto a largo plazo de lo que se crea. En su esencia, la premisa es que si alineamos el diseño con imperativos éticos y ecológicos, la prosperidad no tiene por qué ir en detrimento del planeta.

Quienes deseen profundizar en estas ideas pueden encontrar información esclarecedora en varios libros. Cradle to Cradle: Remaking the Way We Make Things de William McDonough y Michael Braungart sigue siendo un punto de partida esencial para comprender el pensamiento del ciclo de vida continuo, y su secuela, The Upcycle: Beyond Sustainability—Designing for Abundance, profundiza aún más en la filosofía del upcycling.

Circular Design for Fashion de la Fundación Ellen MacArthur ofrece un análisis detallado sobre cómo los diseñadores pueden transformar una de las industrias más contaminantes del planeta, mientras que Designing for the Circular Economy, editado por Martin Charter, recopila estudios de caso que ilustran técnicas prácticas y aplicables para impulsar la circularidad en múltiples sectores. Finalmente, Let My People Go Surfing de Yvon Chouinard puede no tratar exclusivamente sobre diseño circular, pero ofrece un relato sincero sobre cómo Patagonia integra la responsabilidad ambiental con el éxito comercial, demostrando que la fabricación ética y las buenas prácticas empresariales no son incompatibles.

Moda: Líderes en Durabilidad e Innovación

La industria de la moda ha sido durante mucho tiempo sinónimo de desperdicio, pero cada vez más marcas están replanteando sus prácticas para alinearse con los principios de la circularidad. Eileen Fisher destaca con su innovador Renew Program, que invita a los clientes a devolver prendas usadas. Estas piezas se limpian, reparan y se revenden o transforman en nuevos diseños, demostrando que la artesanía de alta calidad puede disfrutar de una segunda e incluso tercera vida. De manera similar, Patagonia ha revolucionado la ropa para exteriores con su Worn Wear Initiative, un enfoque centrado en la reparación que incluye furgonetas móviles, tutoriales en línea y servicios en tienda. Estos esfuerzos fomentan que los clientes arreglen su ropa en lugar de reemplazarla, demostrando que la sostenibilidad y la lealtad del consumidor pueden ir de la mano.

Por otro lado, Stella McCartney ha sido pionera en la moda de lujo al incorporar Mylo, una alternativa al cuero derivada del micelio, y centrarse en materiales regenerativos en sus colecciones. Sus diseños demuestran que la alta costura puede—y debe—adoptar materiales que respeten los ciclos de la naturaleza.

Mobiliario: Construyendo un Futuro Circular

En el sector del mobiliario, Herman Miller ha liderado el camino con su protocolo Design for the Environment. Su icónica silla Aeron es un ejemplo sobresaliente de diseño circular, ya que es fácil de desmontar, lo que permite reparar, reemplazar o reciclar sus partes al final de su vida útil.

Marcas boutique como Vestre, un fabricante noruego de muebles para exteriores, diseñan sus productos pensando en la longevidad, utilizando componentes modulares y materiales sostenibles alineados con los principios de la circularidad.

Diseño Industrial: Creando Sistemas Duraderos

El diseño industrial ha visto algunas de las aplicaciones más innovadoras de los principios de la circularidad. Philips Lighting ha sido pionera en el modelo de “pago por lux” en el Aeropuerto de Schiphol en Ámsterdam, que mantiene a la empresa responsable del mantenimiento y reciclaje de las luminarias. Este enfoque garantiza que los productos permanezcan dentro de un circuito cerrado, promoviendo la eficiencia y minimizando los residuos.

Empresas tecnológicas como Fairphone también están marcando la diferencia. Sus teléfonos inteligentes modulares permiten a los usuarios reemplazar o actualizar componentes individuales, como cámaras o baterías, sin desechar todo el dispositivo. Este enfoque no solo reduce los residuos electrónicos, sino que también empodera a los consumidores para tomar decisiones más sostenibles.

Arquitectura: Diseñando la Regeneración

La arquitectura, por su naturaleza, es una industria de impactos a largo plazo, lo que la convierte en un área vital para la innovación circular. El arquitecto William McDonough, coautor de Cradle to Cradle, ha sido un líder en proyectos regenerativos. Sus edificios suelen incorporar sistemas de reutilización de agua, fuentes de energía renovable y materiales que pueden ser reutilizados al final de la vida útil de la estructura.

En Ámsterdam, el Circl Pavilion ejemplifica la arquitectura circular. Diseñado con partes desmontables, el edificio puede ser completamente deconstruido, asegurando que sus materiales permanezcan en uso en lugar de convertirse en residuos. La estructura también utiliza materiales reciclados siempre que es posible, estableciendo un nuevo punto de referencia para la construcción ambientalmente consciente.

No es una exageración decir que los principios del diseño circular están cambiando la forma en que pensamos sobre la producción, el consumo y los residuos. En lugar de seguir un modelo lineal que termina en vertederos, tenemos la posibilidad de crear circuitos cerrados donde los recursos permanecen en uso el mayor tiempo posible y donde la idea de “desechar” se vuelve cada vez más obsoleta. Al prestar atención al ciclo de vida completo de un producto, utilizar materiales reutilizables e integrar la reparación y el mantenimiento en cada etapa, aumentamos significativamente nuestras posibilidades de vivir dentro de los límites ecológicos del planeta. Y es precisamente esta sensación de posibilidad, de diseñar un futuro que proporcione tanto prosperidad como bienestar ambiental, lo que sigue inspirando a líderes empresariales, ambientalistas y pensadores creativos en todo el mundo.

El trabajo de Philipp Hainke adopta un enfoque circular, especializado en el desarrollo sostenible de productos. Su proyecto ORGANICO explora el potencial del cáñamo como recurso renovable para materiales circulares. A través del uso de un bioadhesivo desarrollado por él mismo, Hainke transforma fibras y cañamiza de cáñamo en un material estable pero ligero. El resultado es un diseño estético que muestra el poder transformador de la tecnología, preservando al mismo tiempo la naturaleza arcaica del material. Su trabajo impulsa la sostenibilidad al reimaginar la materialidad y rediseñar los ciclos de vida de los productos. Philipp ha sido reconocido internacionalmente, obteniendo premios como el Green Concept Award, el Materialica Award y el Salone Satellite Award.

Entrevista con Philipp Hainke

¿Puedes compartir tu experiencia utilizando cáñamo como material para muebles en tus proyectos? ¿Qué despertó inicialmente tu interés en incorporar cáñamo en diseños de muebles?

El punto de partida de este proyecto a largo plazo fue la búsqueda de alternativas biológicas no dañinas a los aglutinantes basados en petróleo, como las resinas epoxi y los poliuretanos. Por ello, el paisaje material anterior a 1930 fue el campo de mi investigación, y aquí encontré el pegamento tradicional.

En la industria actual, es común usar aglutinantes con fibras; los ejemplos más destacados son las fibras de vidrio o carbono. El lino y el cáñamo se utilizan debido a sus buenas propiedades técnicas, aunque principalmente en partes no visibles. Para reducir la cantidad de aglutinante en las piezas volumétricas, es habitual usar agentes de relleno, y aquí fue donde las cañamizas (también conocidas como hurdes de cáñamo) llamaron mi atención. Este material similar a una espuma es el núcleo de la planta de cáñamo. Es un subproducto de la producción de fibra de cáñamo y se presenta en forma de escamas.

¿Puedes detallarnos algún proyecto específico en el que hayas utilizado cáñamo, explicando el proceso y el resultado final? ¿Qué hace que este proyecto sea especial?

He estado experimentando con biocompuestos desde 2013. Durante mis estudios en la Universidad de las Artes de Berlín, decidí dedicar mi proyecto de licenciatura a una investigación más profunda sobre biocompuestos. El resultado de este trabajo es ORGANICO, un material versátil basado en cáñamo y un biocompuesto desarrollado por mí mismo que utiliza bio-proteínas de origen vegetal como aglutinante.

¿Qué propiedades específicas del cáñamo lo hacen una opción atractiva para el diseño de muebles? ¿Cómo contribuye el uso de cáñamo a la estética y la sensación general de una pieza?

Las fibras de cáñamo son duraderas; no es casualidad que se hayan utilizado para fabricar velas y cuerdas. En combinación con las cañamizas, fabrico objetos bio-ligeros. Dependiendo del método de prensado de las piezas, la estética puede variar desde una textura orgánica y cruda hasta una calidad de superficie más técnica. Pero todas las piezas comparten una característica no tan obvia: su agradable aroma. Creo que todos conocemos el olor del plástico barato. Si tuviera que imaginar un opuesto a ese olor, sería el aroma de ORGANICO. Me recuerda a las pilas de heno fresco de mi infancia.

Desde un punto de vista ambiental, ¿cómo se alinea el uso del cáñamo en muebles con las prácticas de diseño sostenible? ¿Cómo responden los clientes al aspecto sostenible del cáñamo en muebles? ¿Es un factor en tu toma de decisiones?

Mi producto, libre de madera, está compuesto principalmente de material vegetal, que también actúa como un almacenamiento de carbono. El adhesivo vegano está libre de aglutinantes convencionales, resinas o bioplásticos como el PLA. Mientras que muchos proyectos se centran en materiales monoprocesados altamente elaborados, ORGANICO está compuesto hasta en un 90% por cáñamo natural sin procesar. Esta planta de rápido crecimiento puede cultivarse prácticamente en cualquier suelo y, además de sus buenas propiedades técnicas, ofrece una gran cantidad de aspectos positivos ecológicos en su cultivo, como la resistencia a las plagas. Gracias a la cal utilizada en el adhesivo, el material está naturalmente protegido contra hongos e infestaciones de plagas. Dependiendo de su aplicación, puede ser aislante, ligero, ignífugo, resistente al agua o una combinación de estas propiedades. Al finalizar su ciclo de vida, toda la pieza puede devolverse al ciclo biológico sin causar daño alguno al medio ambiente.

¿Qué consejos das a los clientes sobre el mantenimiento y cuidado de muebles hechos de cáñamo? ¿Existen conceptos erróneos sobre los muebles de cáñamo que consideres importante abordar?

No creo que sea posible generalizar “muebles hechos de cáñamo” de una manera que permita dar un consejo universal al respecto. Hablando específicamente de ORGANICO, se puede considerar más similar a la madera que a la tela. Los objetos son ignífugos y pueden resistir el agua por períodos cortos. Las partes cruciales son las esquinas, donde se encuentra la fibra parcialmente sin tratar; estas son puntos potencialmente débiles y deben manejarse con mayor cuidado.

¿Estás viendo un aumento en la demanda de muebles fabricados con cáñamo? Si es así, ¿a qué factores atribuyes esto? ¿Cómo te mantienes al día con las tendencias del mercado relacionadas con el diseño de muebles de cáñamo?

No estoy seguro de si limitaría el campo únicamente al cáñamo, pero se puede observar una tendencia general hacia materiales alternativos y flujos de materiales alternativos. Esta es una tendencia positiva, pero, por supuesto, hay actores en el mercado que intentan beneficiarse de este desarrollo sin arriesgar grandes inversiones.

¿Cómo obtienes el cáñamo? ¿Has colaborado con productores o fabricantes de cáñamo para conseguir materiales para tus diseños?

Al principio intenté establecer una conexión directa con un productor local en los alrededores de Berlín, pero tuve problemas debido a las propiedades cambiantes del material. Actualmente, obtengo la mayoría de las materias primas de un proveedor de materiales de construcción. La ventaja aquí es que siempre recibes la misma calidad de material.

¿Dónde imaginas que se expongan tus productos?

ORGANICO ya se ha presentado en muchas exposiciones, incluyendo el Salone del Mobile en Milán, la IMM en Colonia y el Global Grand Show en Dubái, por nombrar algunas. Sería genial ver ORGANICO aplicado en el sector de la movilidad, ya que esta industria tiene la libertad financiera y la mentalidad innovadora para desarrollar un concepto aún más. También puedo imaginar una colaboración con una marca como Nike o Patagonia, que podría exponerse en una tienda insignia.

¿Hacia dónde crees que se dirige el futuro del cáñamo en el diseño de muebles? ¿Existen tecnologías o procesos emergentes que crees que mejorarán aún más el uso del cáñamo en muebles?

Sin duda, veremos un panorama de materiales más diverso en la industria del mueble. Tenemos una gran necesidad de reducir las emisiones de dióxido de carbono y/o capturarlo de la atmósfera. Dado que las plantas son reservas naturales de carbono, veo un gran potencial en este campo. Como cultivo anual, el cáñamo no solo crece relativamente rápido, sino que también es muy resistente y puede crecer incluso en suelos pobres, lo que permite su cultivo sin pesticidas. Veo un enorme potencial en una combinación de alta tecnología y baja tecnología, como intenté explorar con ORGANICO.

A pesar de que el proyecto se basa en la fotografía, la ciencia, especialmente la ciencia natural, juega un papel igualmente importante en el proceso. Al combinar tinta con elementos como aceites, compuestos ácidos y soluciones de sodio, es capaz de crear hermosas y vibrantes reacciones químicas que utiliza como sujetos de sus imágenes. Hoy en día, la idea ha evolucionado para utilizar muchas técnicas y materiales diferentes, aunque la influencia de los colores, formas y patrones que ocurren en la naturaleza sigue siendo la misma. De manera similar, el interés del artista por la pintura también desempeña un papel en el proyecto, describiéndose a sí mismo como un “pintor atrapado en el cuerpo de un fotógrafo”. Habiendo tomado clases de pintura, dibujo y grabado a lo largo de los años, pero centrando su carrera principalmente en la fotografía, este proyecto le ha permitido incorporar sus habilidades de pintura en su trabajo.

Antes de dedicarse por completo a su práctica como artista plástico, trabajó como fotógrafo profesional para una casa de subastas durante 15 años. Esta larga experiencia como fotógrafo profesional le proporcionó un conjunto de habilidades que utilizaría en su práctica personal. Atribuye las habilidades de estudio que aprendió en ese trabajo como la razón por la cual es capaz de crear las imágenes impactantes y coloridas que produce hoy en día. La amplia experiencia en el uso de geles de color, filtros polarizadores y fondos de plexiglás de colores durante su carrera profesional le ha permitido tener un gran control sobre los colores que muestran sus fotografías.

Aunque esta experiencia en fotografía de estudio le ha permitido tener un control considerable sobre los colores de una imagen, la experimentación es una parte importante de este proceso. Explica cómo ocasionalmente las mezclas pueden alterar los colores de formas impredecibles, pero que la incertidumbre del proceso es algo que ha aprendido a abrazar en su trabajo. Con el tiempo, ha encontrado combinaciones químicas que le interesan más que otras, lo que le ha permitido enfocar la dirección de sus principales cuerpos de trabajo.

FASCINACIÓN POR LA NATURALEZA

Habiendo tenido la oportunidad de conocer a Ansel Adams en su adolescencia, al participar en un taller que este organizaba en el Parque Nacional de Yosemite, Keith Peterson considera que este encuentro influyó en su práctica más adelante en la vida. Aunque admite que era demasiado joven para comprender los aspectos técnicos del taller, el amor tanto por la fotografía como por la naturaleza que aprendió en esa experiencia ha permanecido con él hasta el día de hoy.

Esta fascinación por la naturaleza está profundamente arraigada en el fotógrafo y lo hace evidente en su trabajo. Muchas de las reacciones químicas que fotografía tienen similitudes con los elementos que se ven en el entorno natural, y recuerda la “gran satisfacción” que siente cuando es capaz de replicar cosas como flores y árboles en sus experimentos fotográficos. Su interés y amor por la naturaleza también lo han inspirado a crear sus propios pigmentos para su trabajo, utilizando minerales y materia orgánica que recolecta durante sus caminatas.

Desde su infancia, Jakob Kudsk Steensen ha estado fascinado por el medio de los videojuegos. Su capacidad para transformar el mundo que nos rodea ha inspirado muchas de sus obras de arte virtual inmersivo. La pasión de Jakob por la realidad virtual pronto se combinó con su admiración por el entorno natural, concretamente por los humedales. Juntando sus dos pasiones, Jakob explora historias pasadas y presentes que interactúan con nuestro paisaje, reformulando nuestra percepción del mundo que nos rodea.

FOLCLORE Y CANCIONES: LAS VOCES DE LA NATURALEZA

¿Quién es Jakob Kudsk Steensen y cuál es su visión?

Soy artista. Soy de Dinamarca, pero durante los últimos diez años he trabajado en Nueva York, y recientemente me he trasladado a Berlín. En mi práctica, trabajo mucho con las tecnologías de los videojuegos, pienso mucho en cómo utilizarlas más allá de lo habitual en los videojuegos. Estos se basan mucho en el objetivo y el nivel y siguen como una experiencia y un diseño más racionales, en los que hay que tocar o interactuar con las cosas muy de tú a tú. Así que me especializo en una forma muy intuitiva, colaborativa y ambiental de utilizar las tecnologías de los videojuegos en particular, para transmitir perspectivas pasadas por alto u olvidadas sobre las historias naturales, las diferentes especies y las cosas en las que no se piensa tanto pero que forman parte importante de la naturaleza.

Últimamente también he empezado a trabajar mucho con canciones y tipos de folclore y a buscar sensibilidades y palabras perdidas que se utilizan para describir y hablar de nuestra relación con diferentes entornos. Así que ahora también empiezo a trabajar a partir de una canción y a crear este tipo de instrumentos rítmicos, casi hipnóticos para la gente. Esa es una breve descripción de lo que hago.

Suena muy bien. Así que, obviamente, tu arte es una especie de libertad y es bastante envolvente. ¿Puedes explicar, como artista, qué te hizo gravitar hacia ese medio? ¿Siempre te interesó? ¿Ha sido una especie de viaje para ti?

Sí, en realidad estaba pensando en eso. Estaba nadando y, cuando salí del agua, pensé en un recuerdo. Cuando era niño, mi amigo Simon andaba por mi casa, a menudo jugábamos juntos a los videojuegos. Es una pasión para mí desde que tenía ocho años o algo así. Crecí amando los videojuegos, me gustaban los mundos en 3D, más complicados, en particular me apasionaba tener ese tipo de perspectiva en primera persona. Es muy común hoy en día, pero significa que puedes navegar realmente por el espacio. Así que mi amigo Simon, siempre tenía ansiedad cuando estaba en un videojuego, especialmente cuando teníamos que estar bajo el agua. Porque bajo el agua puedes moverte en todas estas direcciones diferentes que normalmente no puedes físicamente. Y sentado delante de un ordenador, se convertía en una especie de sensación extraña en tu cerebro mientras te desplazabas. Como si estuvieras mirando tu mano con el ratón, tus dedos en el teclado. Es algo táctil, pero de repente tu perspectiva cambia y se mueve de todas esas formas imposibles. Así que para mí, ha sido algo que me ha atraído mucho, realmente. Recuerdo mis años de infancia y de adolescencia, en los que la explosión de este nuevo medio, más parecido a los complejos mundos en 3D, me apasionaba.

Así que, para mí, parece algo normal e intuitivo hacia lo que gravitar. Y en los últimos cinco años, con esta nueva segunda ola de realidad virtual y realidad aumentada y, más recientemente, con la posibilidad de crear instalaciones inmersivas a gran escala, parece que ahora somos capaces de ir más allá de la pantalla bidimensional y podemos abrazar realmente las dimensiones conceptuales del espacio 3D, de formas nuevas que no habíamos experimentado antes. Es como si nos alejáramos del arte bidimensional y nos acercáramos a otra cosa, algo más corporal, algo más físico y algo en lo que el cuerpo humano es realmente el centro de la experiencia. Por eso me siento muy atraído por los llamados medios de inmersión.

Suena muy complejo. Es un recuerdo muy bonito que resume lo que significa tu trabajo. Tuviste una exposición reciente en Berlín inspirada en los humedales de Brandenburgo.

Sí. En la región de Brandenburgo.

¿Podrías explicar un poco por qué elegiste los humedales como tu principal musa en algunos de tus trabajos?

Porque creo que algunas personas pensarían que, obviamente, los bosques y las flores son una gran fuente de inspiración, pero los humedales no vienen a tu cabeza automáticamente como algo bello de la naturaleza. En el pasado, he trabajado con narrativas más icónicas en las que estamos acostumbrados a pensar cuando consideramos el mundo natural o el cambio climático. Hice un proyecto en 2016 llamado Primal Tourism, que tenía lugar en una isla tropical que se hundía, la isla de Bora Bora, y reanimaba otra obra de arte de realidad virtual. Trabajo con los cantos de aves extinguidas, y también con glaciares y diferentes bosques. Así que he pasado de trabajar con tipos de paisaje en los que pensamos inmediatamente cuando pensamos en nuestra relación con la ecología y el clima, pero en los últimos dos años he intentado ir más allá y buscar historias sobre el medio ambiente en las que pensamos más raramente. Lo que encontré fue que los humedales son un tipo de ecosistema absolutamente esencial y muy ignorado porque cualquier gran ciudad y civilización del mundo está construida por un humedal. Y se teoriza, ya sabes, que todos los humanos modernos provienen de los humedales de África. Así que es como si hubiéramos olvidado la importancia de los humedales. Y es por eso que tenemos problemas con el agua dulce. Es por eso que tenemos ríos y lagos tóxicos alrededor de Europa y los Estados Unidos, porque la definición de un humedal. es un ecosistema que es capaz de mantener su propia agua dulce.

Y el agua dulce, por supuesto, es esencial para los mamíferos y la supervivencia humana. Así que nos hemos olvidado de este paisaje tan esencial e importante justo debajo de nuestros pies. En Berlín creé esta obra de arte llamada Berl Berl, las cuatro primeras letras de la palabra Berlín. En realidad es una antigua palabra eslava que se usaba en la región en la Edad Media, y significa pantano. El propio nombre de Berlín significa pantano.

Así que me invitaron a una exposición de arte en Berlín y creé esta instalación inmersiva en el Hallmarks, que normalmente era un club nocturno. Y lo convertí en un instrumento virtual pantanoso en el que la gente entraba y se hipnotizaba o se hundía. La gente pasaba entre una y tres horas dentro de la obra de arte y luego se tumbaba en las almohadas, caminaba, se sentaba y quedaba realmente hipnotizada en esta sopa de pantano primordial. Así que esa es la razón por la que hice esa obra de arte Berl Berl en Berlín específicamente.

Obviamente, sé que has hecho cosas recientemente. Mencionaste nuevos elementos en tu trabajo, como empezar a trabajar con música y canciones. Has mencionado que has trabajado con un cantante, Arca y Matt McCall. ¿Podrías mencionar cómo fue este viaje hacia la inclusión de la música en tu trabajo? ¿Cómo lo hiciste? ¿Qué fue lo primero que te inspiró a incluir este tipo de cosas en tu trabajo?

Sí, definitivamente. Empezó con un libro que leí de una autora británica llamada Melanie Challenger, titulado On Extinction. Es realmente el libro que me llevó por el camino de centrarme mucho en el folclore, las palabras populares, las canciones y este paisaje más olvidado bajo nuestros pies en todas partes. Porque inicialmente Michelle escribe que las palabras que usamos para describir el mundo son las palabras que podemos usar para protegerlo. Y por eso me fascinó, sobre todo en Berlín. Buscando en su historia natural, descubrí que antes de la Edad Media había una multiplicidad de culturas y lenguas diferentes en toda la región. Y estos hablaban muchos dialectos diferentes del eslavo y otros como los de Europa del Este. Y luego se pasó al alemán. Y a estos dialectos se les llama a menudo culturas de canto. Así que también en Irlanda, es lo mismo. De hecho, en algunos lugares de Dinamarca, muchos humedales están rodeados por estos cantos, diversos dialectos.

Y las culturas tienen canciones como una forma de navegar por el mundo. En lugar de tener una cultura escrita donde estamos documentando y escribiendo nuestras historias sobre el mundo, una canción tiene diferentes versos y puede tener silencios, luego cambiar a través del tiempo para adaptarse a cómo el sistema de valores específicos o el paisaje se está transformando. Así que la canción es realmente algo muy maleable, muy mutacional, pero también muy descriptivo y algo que puede crear un fuerte sentido de pertenencia. En el trabajo publicitario Berl Berl, invité a esta cantante Arca a responder con una serie de versos cortos y palabras basadas en imágenes y folclore que yo le enviaría desde el lugar real. Así que envié una vieja canción eslava sobre una palabra hecha de fuego, envié un cuento, una pequeña historia de estas ninfas y de cómo cantaban y atraían a los hombres a los ríos. Envié historias sobre el rey rana que solía gobernar los pantanos. Y enviaba diferentes imágenes de polillas, de insectos, hojas, barro, como sistemas de hongos, todo tipo de material que tengo de los alrededores de Berlín. Y entonces ella enviaba pequeños versos en sonidos de conversación material.

Y por encima de eso, ella también cantaría a la obra de arte como si fuera una catedral, porque ese tipo de lugar se siente como una iglesia y se refiere a una iglesia de Berlín. Es como el club nocturno más famoso de la ciudad donde tuvo lugar la exposición. Así que ella también le cantaría como a una especie de catedral, algo así como una forma cristiana de relacionarse con el espacio, pero también muy chamánica y muy intuitiva y personal. Así que se obtiene esta mezcla total de algo que se siente religioso, algo que se siente personal, algo que se siente muy construido o conversacional.

Y luego está la relación con Matt McCall. Es un tipo con el que he trabajado muchas veces. Hace sonidos en el Museo de Historia Natural de Nueva York. Es experto en trabajar con grabaciones naturales. Así que salimos juntos y grabamos sonidos de la excelencia y trabajamos con el Archivo de Historia Natural de Berlín para conseguir sonidos grabados. Realmente mezclamos las canciones de las grabaciones de archivo de los humedales y los pantanos alrededor de los villanos del pasado con las grabaciones del presente. Y esto se mezcla en tiempo real con Berl Berl, que esencialmente es un mundo virtual y un instrumento vivo.

Así que nunca suena ni se ve igual. Simplemente se mezclan todos estos elementos diferentes en tiempo real y se convierten en esta cosa extraña que se mueve y cambia y a veces se siente como un alboroto y luego a veces se siente como un documental de la naturaleza y realmente está girando a través de diferentes espectros emocionales y diferentes perspectivas de los humedales continuamente. Por eso me interesan ahora el folclore, las canciones y los versos. Porque es una forma de ver un ecosistema con algo muy pero que muy estático, es algo que puede cambiar. Se pueden combinar diferentes palabras en diferentes secuencias, pueden cambiar la tonalidad y cambiar un poco la expresión, y por lo tanto la sensación del paisaje. Y en Berl Berl, todo lo que se ve en la obra en este pantano virtual controla lo que ocurre con los sonidos. Así que si es muy lluvioso y fangoso, en ciertas ráfagas el sonido es más arcaico. Si hace sol y estás en medio de unos árboles, el sonido es más realista y parecido al de los pájaros. Así que a medida que vas recorriendo el entorno, las canciones te siguen y viceversa. Es como este sistema dual en el que todos estos elementos diferentes están conectados y nadie sabe realmente qué va a pasar cada vez que se expone.

JAKOB KUDSK STEENSEN: ¿QUÉ SIGUE?

Tu reciente exposición colectiva para el Festival Sónar en España también se inspiró en un conjunto diferente de humedales. Mucha gente se imagina los humedales como una especie de espacio oscuro entre el agua y la vida y una especie de espacio liminal en el que nos encontramos en una especie de punto intermedio. ¿Tienes esa sensación? ¿Qué es lo que realmente te ha llamado la atención de los humedales?

Sí, es curioso porque cuando empecé a trabajar explícitamente con los humedales, sobre todo con Berl Berl y la obra de arte Liminal Lands que mencionas, me di cuenta de que mis obras de arte favoritas del pasado tenían lugar o representaban humedales urbanizados. No era realmente una intención racional. Es como si esa obra, animada, tuviera lugar en un humedal montañoso. Una de mis otras obras, Aqua Phobia, tiene lugar en un humedal, en las Brooklyn Galleries de Londres. Así que descubrí que me atraen estos paisajes limbos, morfológicos, indefinibles. Es como si te dieran espacio para imaginar el mundo de nuevas maneras. Te dan el espacio para ir más allá de la representación realista. Te dan una especie de dimensión, una dimensión menos racional con nosotros, menos presión para que definas todo lo que estás diciendo y haciendo, y puedes entrar y jugar con las cosas.

Esencialmente, estos reinos menos definibles tienen menos límites que los terrenales, lo que vive en los árboles, lo que vive en el agua, todas las criaturas tienen relaciones muy estrechas. Es como un ecosistema entre especies. Y también hay un lugar donde la vida a diferentes escalas, digamos un ciervo y las bacterias en el suelo, un pájaro en un árbol, todos ellos se influyen mutuamente de manera muy estrecha. Así llegamos a este lugar donde se puede pensar realmente en la interconectividad de la vida a diferentes escalas, y realmente se puede impregnar con una gran cantidad de mitología e imaginación.

Siendo alguien que ha trabajado con tecnologías de videojuegos y con herramientas industriales 3D, durante la mayor parte de mi vida he sentido curiosidad por este tipo de libertad de imaginación. Sin embargo, tener que adherirse a las historias de un lugar específico es algo que es muy atractivo para mí. Es casi como un sinónimo del mundo actual, donde tenemos todo este control a través de la tecnología. Creemos que tenemos patrones orgánicos en el mundo y nuestro subconsciente, nuestros sueños y todo lo demás. Realmente no podemos controlar esos elementos completamente. Así que es una forma de trabajar con tierras húmedas en concreto a las que puedes imbuir de toda esta imaginación.

Esta obra de arte, Limited Lands, se realizó en 2021 con una fundación artística llamada Luma. Pasé todo un año documentando los cambios en el paisaje basados en la sal, el agua dulce, las bacterias y las algas y cómo están cambiando el aspecto de las cosas. Por ejemplo, una rama de un árbol puede ser de color marrón y tener el aspecto de un árbol un día. Luego, una semana después, puede convertirse en un cristal recubierto de blanco. Una semana más tarde puede convertirse en rosa y verde porque las algas y los niveles de salinidad cambian. Así que tienes esta zona muy transmutacional que existe. El humedal específico llamado Kamak existe entre el agua dulce, el agua salada y el suelo mediterráneo y más agrícola. Así que es este tipo de membrana la que realmente existe entre los mundos en todo momento. Algunas cosas mueren y viven muy rápidamente. Como me encontré con este pájaro que había caído en el agua, y luego el agua se había vuelto más salada, por lo que probablemente la bebió y murió. Y luego se convirtió en un cristal gigante porque una semana después había habido mucho sol. Y cuando hay mucho sol, el agua se evapora y todo se convierte en sal.

Y entonces esa sal, esas diferentes algas rosas y verdes crecen. Tienes esta gaviota rosa cristalizada en el paisaje y todo tipo de formaciones que son reales, que están documentadas a través de este tipo de fotografía espacial en 3D. Pero cuando las miras de forma aislada y puedes cambiar la perspectiva, casi parece ciencia ficción. Así que fue esta idea de encontrar, de nuevo, estos mundos imaginativos de ciencia ficción justo debajo de nuestros pies como una forma de decir también que no es necesario mirar a la vida en la luna para obtener una ciencia ficción fuerte. La tenemos a nuestro alrededor. Simplemente nos olvidamos de ello, de que el mundo puede ser mucho más extraño de lo que pensamos, pero tendemos a olvidarlo cuanto más nos sumergimos en el medio virtual. Así que esta Tierra Liminal es una obra de arte de realidad virtual para reunir a la gente. Normalmente, donde están, el movimiento cambia el sonido en el paisaje. Así que, de nuevo, es como esta idea de trabajar con el instrumento y el sonido. Así que cuando la gente se mueve físicamente en la obra de arte, cambian los sonidos y las texturas en este paisaje virtual. Y el paisaje virtual está hecho completamente de sonidos y elementos digitalizados de la tierra.

Es una forma muy hermosa de pensar en los humedales. Y creo que es tan poético que ni siquiera me había dado cuenta de que eran humedales. Y creo que es un poco espeluznante, pero también una especie de destino. Supongo que la última pregunta que tengo para ti es ¿cuáles son tus planes futuros? ¿Tienes algún proyecto próximo? ¿Qué tienes en marcha en este momento?

Sí, tengo una obra de arte más pequeña que ha salido este verano. Es una obra de arte pública en Suiza que analiza por qué durante los últimos años, sólo he estado trabajando en estas grandes colaboraciones. Así que el pasado mes de febrero, pasé dos semanas yendo a una cueva de un glaciar en Suiza, y la escaneé, y fui con un amigo mío, Joe Kunan, un escritor. Él ha escrito una pequeña historia corta para esta obra de arte. Así que hicimos algo muy impulsivo e intuitivo en las montañas suizas. Y eso se ha convertido en una instalación de vídeo, pero es una especie de proyecto intermedio en el que lo que realmente quiero trabajar a continuación es una especie de videojuego inmersivo de tipo operístico y una serie de exposiciones.

También voy a dar una conferencia en la Ópera de Finlandia, ya que tengo mucha curiosidad por empezar a explorar estas nuevas formas de colaboración entre el mundo del arte contemporáneo y estas instalaciones inmersivas entre la música y la naturaleza. La música es una forma de contar historias y de tener personajes y trajes y todo lo demás, y luego tener mundos en línea totalmente distribuidos en los que la gente puede entrar para experimentar las obras de arte… Así que ahí es donde está mi cabeza mirando hacia el futuro.

+ Highlight Image:
© Jakob Kudsk Steensen

+ Words:
Emily Fromant
Luxiders Magazine